MASTER CHEF #33 (MINICUENTO XI)

El programa más exitoso de la televisión europea había combinado todas las posibilidades de personalidades y profesiones que se pudieran encontrar y mezclar en los diversos castings donde unas setenta mil personas deseaban ser cocineros cada año. Por el programa pasaron abogados y médicos que dejaron sus profesiones para realizar profiteroles, vendedores de curiosidades, antigüedades o de casas malditas cuyo mayor deseo era realizar esferificaciones de sesos y espuma de trufas para decorar un pescado frito, e innumerables profesores de latín o de matemáticas que abandonaban la docencia por el arte de hacer brochetas de pollo en las calles. Cualquier tendencia sexual, erótica o moda sexual imaginada, que no violarse las leyes del país, era aceptada por lo que nunca apareció un zoofílico en las cocinas, pero si un joven que se casó con un robot en una iglesia futurista y fue la alegría de los fans de la temporada veinticinco. La producción estaba desesperada, los espectadores necesitaban a alguien que dejara de ser lo que había sido toda su vida para cambiarla, que dejara su espacio de confort y deseara libremente quedar encadenado a los fogones, a las harinas, a las frituras. Esa temporada alguien comentó a la productora que un tal Jesús quería ser chef. Apareció en una audición en una ciudad muy religiosa cerca de una frontera, él solo se paraba frente a un plato vacío, decía unas palabras y de la nada aparecía un majar gastronómico nunca visto, nunca probado. Fue aceptado y presentado como un mago, sin sorpresas, como otros prestigiadores habían aparecido en la pantalla, pero algunos ejecutivos del canal tuvieron resistencias de aceptarlo para esa temporada porque no usaba smartphone ni tenía cuenta en Twitter, así que cuando se le asignó: Masterchef_#33_JesusMago, el joven barbudo comenzó a tener tantos seguidores que nadie pensaba que pudiera existir alguien como el: ser un buen cocinero, hablar bien a las personas y decir, de tarde en tarde, palabras sabias como: ¡no solo del pan vive el hombre! o, ¡adora al señor, tu dios y sírvele solamente a él!, esta última frase excitó a algunas mujeres y hombres que veían en sus parejas o amantes de turnos como una divinidad. La competencia duro tres meses donde los participantes salían después de fallar en sus elaboraciones, excepto Jesús, cuyos platos se multiplicaban y con pocos peces, mariscos y harina hacia un asopado de marisco en un caldero que nunca se secaba, platos que siempre eran acompañados con gruesos trozos de pan que nadie sabía de dónde venían. También comentaban en el set, que el mago Jesús transformaba el agua en vino porque conocía una receta antiquísima que lo explicaba y que se la había dado su madre en un desposorio. Al final Jesús ganó la competencia, dijo que iba a abrir un restaurante en Barcelona que lo llamará LOS UNGIDOS, donde serviría todo el pan y vino que pudiera degustar un comensal. Con el tiempo logró una eucaristía digital donde los likes sustituyeron los amenes, el compartir en las redes se transmutó en la comunión para la salvación e, ir al restaurant, era conseguir la total redención del pecado original. Desde entonces toda la teología cambió de los estantes en las bibliotecas y algunas personas concibieron que las guerras eran programas televisivos que pocos sabían dónde se hacían las selecciones de los actores, si en algún refugio olvidado en una antigua república soviética, o en un bunker protegido por cámaras cerca de Bruselas donde solo algunos millonarios sabían dar la dirección a emprendedores mercenarios, o quizás en los laberintos de un parque de diversión cerca de un desierto en Arizona.

ESPÍRITU SAGRADO - DOMINGO DE CINE (20)

PELICULA  Espíritu Sagrado

PAÍS  España

AÑO 2021 - DURACIÓN 97 minutos

DIRECTOR Chema García Ibarra

ACTORES Nacho Fernández, Llum Arques, Rocío Ibañez, Joanna Valverde

SIPNOSIS Esta película es un compendio, resúmenes tras resúmenes y de una manera genial sobre la estupidez humana. Vemos al tonto, al imbecil, al incapaz, al torpe, al vacuo, al loco y al que desvaría. Se hallan sumarios sobre la idiotez básica, sobre la maldad y sobre la inocencia y también acertadas propuestas sobre el fanatismo, la libertad, la familia, las conspiraciones. Personaje tras personaje encontramos al final una obra en donde sus partes forman un mosaico estético y profundo sobre las ignorancias y las esperanzas de los seres humanos. El argumento lineal de la película es el fallecimiento de Julio, un líder desde diversas perspectivas y cómo afecta su muerte inesperada a sus miembros, especialmente a su favorito discípulo José Manuel. En teoría Julio hablaba y escribía sobre un nuevo devenir para la humanidad a partir de una particular interrelación con extraterrestres, de un encuentro con los creadores de la raza humana, de entrar en la eternidad.

PENSAR LA PELÍCULA: Esta película nos enseña, por un lado, sobre la estupidez humana, sobre aquel que se hace daño a sí mismo y a los demás, aunque esto puede ser una definición básica de estupidez, lo cierto es que con ella la mayoría de las desgracias y debilidades humanas aparecen. Pues la estupidez es como una luz negra que difunde la muerte en lugar de la vida, que esteriliza en lugar de fecundar, que destruye en lugar de crear, a veces se expresa en forma de legión o muta y sus síntomas son infinitos de ahí quizas tantos sinónimos y un sólo antónimo: sensatez. Parte de los sintomas de la estupidez son prensentadas lúcidamente en el filme, en el actuar y pensar de los personajes, en la publicidad constante que acompaña el día a día de estas personas circunscritas en sus creencias, en la manipulación de los mas inocentes: los niños; por otro lado, la película nos muestra aquella ignorancia militante, de aquella ignorancia que se mantiene por voluntad, de aquellos que no quieren aceptar saberes que les sustentan su realidad y mantienen sus relaciones sociales así como las culturales. Estos ignorantes militantes aceptan la verdad de aquellos que falsifican el pensamiento crítico por una fe que se basa en una interpretación mediocre de los hechos verdaderos para mantener un poder desvaneciente o ascendente, conviertiéndose en pupilos que aceptan estas interpretaciones porque los hechos verdaderos se les desvanecen entre sus creencias o esperanzas ilimitadas. Aunque se pueda argumentar que el ignorante no es necesariamente estúpido, ni el estúpido no es siempre ignorante, ambas condiciones no pueden ser separadas absolutamente como muestra la película. El film de García Ibarra se centra en los obstaculos de la vida que ocultan las situaciones sociales, hay un trabajo estético dedicado en ambiertar esta metáfora de los obstáculos físicos como barrera que esconden la realidad pero que no impide la propagación de la estupidez. Finalmente la película crea una atmósfera de extrañamiento, raruna, opaca que se realza con una cierta lentitud que en la actualidad no es apreciada por muchos cinéfilos, siendo a veces una crítica un tanto banal en el sentido de que si una película es lenta es sinónimo de mala o aburrida, como si todas las películas deben ser de acción. Lo cierto es que el directo juega con las pausas, con los momentos justos para presentar un nudo el cual no lo deshace en el momento, sino más adelante, en la duración y a través de la intuición, como si la película fuera un ejercicio filosófico de Heni Bergson. Estuvo nominada a 14 premios Goya y no ganó ninguno, la victoriosa fue El Buen Patrón con Javier Bardem como actor de estallidos emocionales, indicando que los ojos críticos en los premios de diversas categorías del arte cada vez están más ajustados por las gringolas de la fama, de la fastuosidad, de los nombres ¨sagrados¨, de la distribuidora o de lo políticamente comestible, igual conclusión llegué con la película Coda que ganó el Oscar. 

                                                              TRAILER

 

 

THAT WAS A GREATEST NIGHT IN THE HISTORY OF TELEVISION (HISTORIA SOBRE UNA BOFETADA)

 

"That was a gratest night in the history of television". (Esta fue la noche más grandiosa de la televisión). Esta genial frase que pocos se acordarán la dijo Chris Rock sentenciando el final de una época, la época de los espéctaculos televisivos. La televisión desaparece sutilmente entre los Streaming(s) y YouTube(s). La televisón busca mantener el espectáculo o la atenión de miradas que se deshace entre sus publicidades anodinas, espectáculo que, como definía Guy Debord, se presenta como la sociedad misma. precisando que el espectáculo es el instrumento de unificación de la sociedad. Nos cuenta el francés: en cuanto parte de la sociedad, se trata explicitamente de aquel sector que concentra toda mirada y toda conciencia. Por el hecho de estar separado, este sector es el lugar de la mirada engañada y de la falsa conciencia; y la unificación que realiza no es más que el lenguaje oficial de la separación generalizada. El espectáculo no es un conjunto de imágenes sino una relación social entre las personas mediatizada por las imágenes. Obviamente se saca de lo anterior que mientras más mediatizado esta una persona más espectáculo tendrá, y mientras más espectáculo comparta más se unifica con miradas donde el engaño y la falsa conciencia construye su objetividad. Chris Rock tiene razón, por milésimas de segundos tuvo la visión, después haber recibido esa cachetada, la televisión había realizado el mayor espéctaculo de su historia, más global que el aterrizaje a la luna, más citado en los medios de comunicación que el intento de asesinato de Juan Pablo II, o la guerra de Irak, más comentado que el triunfo de Donald J. Trump. Todo el mundo tuvo diversas perspectivas de aquel espectáculo que fueron desde: aquellos que defienden al humor como una variable humana que no se debe clasificar por su esencia plural, lábil culturalmente y promotora de relaciones inconscientes, por lo que el humor radica como una virtud aristotélica que nos hace mejores y actuar bien, esta virtud esta en el medio de aquellos excesos que marca una seriedad inaguantable de los moralemente superiores y las risas frívolas de turno; mientra otros grupos empatizan con la(s) victima(s) del humor, en este caso las personas que sufren de alopecia, de las mujeres sin voz, de los hombre caballeroso como Don Quijote, de la igualdad de la causa-efecto, ya que fue un insulto dado por una persona de color que recibe un golpe de otra persona de color, un "equilibrio negritud" (se imagina si Javier Barden, al quien también le hicieron chistes en la gala sobre su esposa hubiera bofeteado a Rock, los titulares hubieran sido otros donde racismo y colonialismo surfearan por las redes), de los indefensos, del bulling y sus consecuencias tempranas y tardías. Así el espéctaculo crea bandas, diferencias, pero se unifican en la mirada. Una persona me preguntó mi posición por la cachetada dada y yo simplemente dije que no tenía posición en el mero espectaculo, aunque aquella persona hacía énfasis de que el comediante se había propasado, como mostrándome el punto de honor. Otro me dijo que el mundo mundano de Intenet y Tic-Toc, las personas se ofenden con facilidad y por lo tanto la comedia se pierde como consecuencia de lo políticamente correcto, llenando todos los espacios culturales de tragedias y actitudes morales ante ellas, en el mejor de los casos, en el peor de tiendas y fanáticos de los videojuegos y de realidades virtuales, y un japonés en medio de la copa dijo que admiró la posición de Smith por salvaguardar el honor de su mujer recordándome un Don Quijote usando el GPS de su smarthphone para hallar a su Dulcinea.

El humor siempre ha sido uno de mis temas favoristos de estudio y he tenido diversos enfrentamientos por mantener una posicion reflexiva de la comedia frente a los otros que desde sus interpretaciones censuran o acusan al humor de rebelarse contra su poder o explicar que el humor ejercer una guerra de guerrilla que socava las instituciones sagradas o humanas (de aquí lo imposible de hacer una película como La Vida de Brian de los Morty Python en la actualidad, alguien se ofendería). No es que el humor contradiga el poder, lo que hace es mostrar sus incoherencias por eso, cuando el humor muestra las contradicciones del poder político siempre habrá un autócrata, sátrapa o dictador que elimine los espacio de humor. El humor tiene humoristas que no son profetas de una religión por lo que hay que ser indulgentes cuando sus chistes vejan, pero el problema de la indulgencia o no al humorista no esta en el uso del chiste o la gracia, sino de su contexto o el lugar en que se ejecuta el humor. El humorista siempre será el mensajero que muestra las contradicciones de la sociedad, un espejero de su época y los límites del humor que esparce esta en las interpretaciones que se puedan hacer del mismo, por lo que los límites del humor es su hermenéutica, por eso un chiste venezolano entre un gocho y un maracucho no podrá ser entendido por un japonés, no lo puede interpretar, pero además cuando se trata de interpretar un chiste, o se explica, lo que hacemos en el fondo es hundir la risa que nace en nuestro inconsciente para desencadenar una mirada lógica que ahoga la risa que es ese descontrol de nuestro control mental.

La indulgencia o no del chiste no es un elemento del humor sino del espacio cultural donde se desarrolla. El humor no tiene interpretaciones éticas, aunque haya cientos de páginas que busquen condificarlo, el humor tiene contextos o espacios culturales y en esas áreas humanas el humor se expande o merma. Si estoy en una reunión con nazis y cuento chistes racistas, seguramente seré aplaudido y aclamado, pero si hago los mismos chistes en una universidad hebrea seré abucheado y "cancelado". El contexto donde se hace el chiste genera la risa o su reprobación, y por supuesto, en un mundo mundializado, el contexto se ha hecho muy tenue, sin fronteras, por lo que nunca sabes en el fondo cómo interpretarán tus chistes los otros. En la noche más grandiosa de la televisión, muchos cuentan que lo que ocurrió fue una humillación que recibió una popular esposa de un millonario actor que años atrás comentaba de lo "blanqueado" que era los gala del Oscar. De lo inoportuno del comentario del presentador Chris Rock, de lo bajo en que cayó el actor millonario en usar la violencia, y el final donde el premiado con la estatuilla del Oscar en su mano usar el comodín de "amor", para hacer los actos más incongruentes y excesivos que no solo lleva a una persona a destruirse, a consolidar espectáculo. El "amor" como comodín que hastía y más si uno ha visto a una joven quinceañeara embarazarse por "amor", o, cómo un dictador y sus herederos han destruído un país como Venezuela usando ese mismo comodín del "amor" para ganar todas las partidas democráticas. En esta secuencia de ideas y críticas olvidamos que la comedia hace énfasis a todo aquello que queremos ver pero no pertenecer en principio, por lo que en la definición de comedia de un Aristóteles imaginado por Umberto Eco explica: En el primer libro hemos tratado de la tragedia y de cómo, suscitando piedad y miedo, ésta produce la purificación de esos sentimientos. Como  habíamos prometido, ahora trataremos de la comedia (así como de la sátira y del mimo) y de cómo, suscitando el placer de lo ridículo, ésta logra la purificación de esa pasión. Sobre cuan digna de consideración sea esta pasión, ya hemos tratado en el libro sobre el alma, por cuanto el hombre es —de todos los animales— el único capaz de reír. De modo que definiremos el tipo de acciones que la comedia imita, y después examinaremos los modos en que la comedia suscita la risa, que son los hechos y la elocución. Mostraremos cómo el ridículo de los hechos nace de la asimilación de lo mejor a lo peor, y viceversa, del sorprender a través del engaño, de lo imposible y de la violación de las leyes de la naturaleza, de lo inoportuno y lo inconsecuente, de la desvalorización de los personajes, del uso de las pantomimas grotescas y vulgares, de lo inarmónico, de la selección de las cosas menos dignas. Mostraremos después cómo el ridículo de la elocución nace de los equívocos entre palabras similares para cosas distintas y palabras distintas para cosas similares, de la locuacidad y de la reiteración, de los juegos de palabras, de los diminutivos, de los errores de pronunciación y de los barbarismos... No se necesita leer El nombre de la rosa, para que el sentido común nos indique que la comedia, que el humor y la risa siempre apuntan a lo peor, a lo imposible, a la violación de las leyes, lo inoportuno, inconsecuente y desvalorización de las personas. Si alguien se ha reido alguna vez ha sido dentro de este conjunto de observacion teórica.

Ahora contar chistes o hacer humor es una actividad peligrosa, como ser reportero en el norte de México o en el sur de Ucrania. De joven uno veía a humoristas y programas de humor, uno oía chistes sobre sacerdotes, homosexuales, personas con alguna discapacidad, contradicciones sociales y los chistes de Jaimito, y especialmente chistes sobre uno, que en mi caso eran sobre hipopotamos, elefantes o chanchitos que siempre me hacían en mi colegio por ser gordo. Aunque de esa época realmente sólo me acuerdo de un chiste contra la inteligencia militar que quizás ahora ofendiera a los militares de mi país pero que para mí es uno de los mejores chiste que contó el gran Eugenio, uno de los mejores contadores de chiste y que quizás se pueda ver si toca aqui (chiste de Eugenio), pero que en la actualidad estaría desempleado. Por se tan peligrosa esta profesión donde los humoristas hacen chiste de la sociedad, de los Otros, de las instituciones, del poder, se han transformado en hacer chistes sobre ellos mismos. Con el auge del Internet y lo políticamente correcto, los humoristas han tenido que contrabandear al Otro dentro de Sí. Esto explica el éxito del stand-up comedy desde la década de los noventa del siglo pasado. Esta manera de hacer humor del stand-up muestra un desdoblamiento donde el mismo personaje es el humillandor pero al mismo tiempo la victima, así sabe que nadie se ofenderá porque el actor en su espectaulo será el único ofendido. Si no hubiera sido la noche mas grandiosa de la televisión, Chris Rock tenía que haber contado cómo le afecta la alopecia a él, por qué ser negro en la sociedad de Estados Unido lo ha llevado a presentador del Oscar, por qué su esposa espera un Oscar aunque él no este nominado. Los humoristas del siglo XXI se esta transofrmando en un conjunto de esquizofrénicos, que suben al escenarios para mostras sus miserias cognitivas o sus excesos intelectuales y especialmente sus alucinaciones sobre un mundo que cambia de códigos, de humor, de criterios y que la serie The Marvelous Mrs. Maisel muestra con asiertos.

DRIVE MY CAR - DOMINGO DE CINE (19)

PELICULA: ドライブ・マイ・カー

PAÍS:  JAPÓN

TÍTULO EN INGLES:  DRIVER MY CAR

AÑO: 2021 - DURACIÓN: 179 minutos

DIRECTOR: 濱口竜介　Hamaguchi Ryusuke

ACTORES: 西島秀俊 Nichijima Hidetoshi,　岡田将生 Okada MAsaki,　三浦透子 Miura Toko,  霧島れいか Kirishima Reika

SIPNOSIS: Luego de la muerte de su joven esposa por una aneurisma repentino, Yusuke Kafuku, un reconocido director y actor de teatro, recibe una oferta para dirigir la obra de Chejov: Tío Vania, en Hiroshima. Yusuke Kafuku produce la obra bajo una tecnica de multilingüísmo, lo que hace que los actores representen sus personajes en diversas lenguas. Mientras esta como director en la ciudad se le asigna una chofer que resulta ser una joven taciturna de nombre Misaki Watari. A medida que se acerca el estreno se van mostrando tensiones argumentales que los diversos protagonistas muestran y desarrollan con una finalidad sutil, casi superficial, aunque internamente cada protagonista contiene multiples cargas explosivar emocionales pero que nunca estallan. Hay un telón de fondo que le da gramática al contenido y que es una atmósfera desencarnada y misteriosa. 

PENSAR LA PELÍCULA.  Drive my car, película japonesa que buscará la estuatilla del Oscar 2022, es un films tomado de un escrito corto de Murakami Haruki y, como alguno de sus escritos, lleva el título de una canción de los The Beatles. La obra de Murakami trata de jugar el ritmo de la canción sin sentido, ya que su letra nos revela un diálogo efímero que se interrumpe por el coro pegadizo, licuándose con la obra de Chejov: Tio Vania, donde el hastío de los personajes y el tedio circunscribe la obra. Esta base es la que se rescata en la película: personajes hastiados de sus vidas, de sus dolores, de sus visiones del mundo, acompañados con el tedio de las situaciones cotidianas perturbadoras y rellenos de diálogos efímeros o sin sentido, lo que nos lleva a interpretaciones absurdas de la realidad japonesa en la película. Lo curioso es que he oido a muchas personas que piensan que la forma en que reaccionan los japoneses en la película ante lo dramático, lo erótico, lo emocional; es fría y distante, como si en "apariencia" esa es la realidad del comportamiento del japonés. Todos los actores en la película se contienen frente a la develación de los secretos, a explicar las emociones, a entender al otro. Murakami, gran crítico de la mecanización de los sentimientos que se implanta en la educación japonesa para contrarestar los berrinches, recrea en sus extremos narrativos esta robotización en sus obras y el director, Hamaguchi, no ha perdido la oportunidad de presentarlas. Si uno oye el japonés que usan las personas en la película, no es el japonés que oye uno a menudo, ni tampoco sus reaciones, es un japonés sin tonos, sin emociones, sin exclamaciones, como si leyeran con un tono plano, exagerado, tal y cual es una exigencia del protagonista principal de la película: Yusuke Kafuku, cuando sus actores hacen las rondas de practicas del guión, mostrándono una obra dentro de otra obra, un juego fractal de emociones apaciguadas Todos los personajes de la obra hablan como maquinas, desde la conductora del director hasta la encargada del teatro, marcando un extraño acento en el mito de la cultura japonesa como una cultura carente de expresiones emocionales, lo cual no deja de ser una simulacro de la realidad que le encanta ver a los Occidentales que se jactan de sus estallidos emocionales y berrinches egoístas. Una critica que se le achaca a la pelicula es que nunca termina de ser erótica, melodramática o romántica, pareciera que siempre se queda a medias ya que sus personajes nunca explotan, pero parte de la propuesta de la película es cómo mostrar lo inacabado, lo que siempre recurre de forma distinta como los cuentos de Oto, o los de la conductora, o los de su asistente de dirección, cuentos que no tiene un punto y final en un mismo momento y espacio, sino que transcurren como el futuro: incierto. No sé si se llevará una estuatilla como película principal, aunque lo dudo después de que Parasite de Bong Joon-ho recibiera toda la antención en el 2019.

DÍA DE LAS RAZAS (MINICUENTO X)

El Día de las Razas, una celebración que se hacía todos los doce de octubre, quedó oficialmente eliminada cuando en el centro de la Plaza de Macondo se destruyó la última escultura de Gabriel García Marquéz. La orden la dio el vigésimo segundo Arcadio Buendía. Según relata las crónicas de la época, comentaban que el escritor había mostrado al padre de la patria: José Arcadio Buendía, como un patán ignorante, que no sabía cómo se llamaban las cosas, que se sorprendió con unos imanes, con un pedazo de hielo o con la dentadura postiza de un tal Melquiades, éste, un típico ejemplo de colonialista que junto al pueblo gitano sólo son una casta de apátridas capitalistas. El vigésimo segundo Arcadio Buendía derribó la escultura de García Marquez frente a ciento de cámaras y reporteros comprometidos con el cambio, en su discurso increpaba al escritor por insinuar que su pueblo estaba compuesto por cientos de incestos, generándo así supuestos orates y gasznápidos que habrían mantenido el poder desde la fundación del pueblo, también se refería al escritor de mezquino por mentir cuando hablaba de los grandes héroes militares como lo fue el coronel Aureliano, acusándolo de mercenario, corrupto y torpe militar por perder todas sus guerras, pero que en el fondo no pedió ninguna guerra sino que unificó a un pueblo creándole una identidad que será infinita como sus hazañas. El acto de derribar la escultura de García Márquez no sólo vino por la sed de justicia del vigésimo segundo Arcadio Buendía, sino por una gaceta aprobada por la cámara del pueblo donde se explicaba que la expulsión de la memoria del escritor de la historia del pueblo de Macondo, radicaba principalmente por el hecho de que en sus páginas se podía extasiar personas pervertidas, ya que el escritor narraba el enamoramiento de un hombre maduro con una niña de nueve años, la relación del Coronel Auraliano con Remedios Moscote, asi por pederastia, el libro se había cesurado por años. Hubo intentos de cambiar la edad de Remedios de nueve años, cuando comienza la relación por una edad de veinticinco años, además otorgándole un título de abogada, siendo su principal causa defender al Coronel de los cientos de juicios civiles y militares que estimatizaban su obra en lugar de orinarse en cama, pero estas versiones de la obra no properó porque siempre hubo un pervertido que guardaba una edición original de la novela 100 AÑOS DE SOLEDAD. Pero lo que no soportaba el vigésimo segundo Arcadio Buendía era que en esos escritos mostraran a uno de sus familiares directo como dictador y déspota. En efecto, su tataratatara abuelo, del cual el escritor decía que era un hijo ilegítimo entre José Arcadio y Pilar Ternera y que había sido una perversa persona era totalmente falso; según la revisión de la historia del pueblo de Macondo llevado a cabo por dos historiadores árabes. Arcadio nunca fue un déspota dictador, no mantuvo cuarteles y burdeles en lugar de escuelas, ni trató de fusilar a Apolinar Moscote, ni su abuela le dió vergajazos en medio del cuartel, ni inventó uniformes, ni colocó brazaletes rojos a los hombres ni prohibió las misas. El gobernador Arcadio fue un demócrata, ayudó a la masa de pobre a tener educación, salud y trabajo, no había sido fusilado sino que estuvo como gobernante hasta los últimos días de su vida, teniendo la bendición de su pueblo que siempre le agradeció sus sacrificios. El vigésimo segundo Arcadio Buendía sentía que aquel último Día de las Razas junto al derribo de esculturas del escritor, abriría las puertas a un mundo mejor, políticamente correcto, donde las víctimas eran héroes, las minorías establecerían zona de coto, las contradicciones no existirían sino sólo proclamas y sentencias de que el mundo era mejor prohibiendo algunas cosas o cambiando algunos adjetivos a ciertos sustantivos, una vez desaparecida todas las esculturas que había en pueblo, Macondo pasaría a ser un sitio donde habrán hombres tan inteligentes y pacíficos que su único entretenimiento será sentanse a pensar. 

 

I AM MOTHER - DOMINGO DE CINE (18)

Película: I AM MOTHER

País: AUSTRALIA

Año: 2019  Duración: 113 minutos 

Director: Grant Sputore

Actores: Clara Rugaard, Rose Byrne, Hillary Swank, Luke Hawker 

Sinopsis: Dentro de un ambiente post apocalíptico, un complejo tecnológico enclautrado crea las condiciones para la vida humana, empezando con una niña cuyo proceso de educación, desarrollo físico y pensamientos serán guiados por un robot cuyo nombre será Madre. Este proceso de interrumpe cuando la joven, interpetada por Clara Rugaard, descubre que aquel mundo exterior que fue destruído en su totalidad, aún existen personas, se encuentra a una mujer sobreviviente, interpetada por Hillary Swank, desde ese momento todo lo que en teoría había sido diseñado para la creación de una nueva raza humana comienza a tambalearse.

Pensar la película: Cientos de obras de ciencia ficción y de películas nos plantean un futuro donde las máquinas lucharán contra los humanos para lograr un vencedor final que destruirá a su rival. En películas como: Terminator o Matrix, la guerra está en desarrollo, aún no se ve al ganador, así como en el último proyecto de Ridley Scott, su serie para HBO: Raised by wolves, pero en I am mother, ya hay un vencedor, porque a diferencia de los cyborgs de las películas: Terminator o Matrix o la serie Raised by wolvers, el filme de Grant Sputore, sus robots y su tecnología ganaron la partida de conquistar la Tierra y a diferencia de las películas y serie nombradas, los robots de I am mother no desarrollan conciencia ni emociones sino siguen un plan maestro. Los humanos que hemos entrado en la era digital, de los grandes datos que determina nuestra conciencia y exhortar los libres albedríos porque la Web nos conoce mejor que nosotros mismo, como busca explicar Yuval Noah Harari en su libro Homo Deus, introduciendo argumentos donde trata de mostrar que el final del Homo Sapiens será cuando las personas, el individuo, el juicio, el pensamiento, el sentido común y el entendimiento, terminen siendo engullidas dentro algoritmos, controlados por procesadores de datos distribuidos en tecnológías diversas, donde un ser humano se convierte en un minúsculo bits de información dentro de un sistema gigantesto compuesto millones de Yobibyte que en el fondo nadie entenderá, creando una idea de ciencia ficción donde al final todo el sistema aumenta hacia una inteligencia que se maneja así misma y donde la conciencia simplementa se ha convertido en un algoritmo programable, como podemos visualizar en la serie Devs, estrenada durante este año y que se realizó para HULU. Una inteligencia parecida a la que hemos mencionado previamente parece que maneja los algoritmos dentro de un complejo tecnológico donde se buscará instaurar un nuevo ser humano para una nueva sociedad, o por lo menos eso es lo que observamos en los primeros minutos del filme de I am Mother. Pienso que esta película trata de resaltar y mostrar puntos femeninos menospreciados en la creación de las culturas, ha sabiendas, de que cientos de civilizaciones han tenido una religión que se destaca por la preminencia de lo másculino sobre lo femenino, llevando aparentemente este teologocentrismo a una larga serie de conflictos, violencia, crueldad e ignorancia que destruyen las propias civilizaciones que han creado. En I am mother se le trata de dar una vuelta de tuerca. Este filme en la que actúan sólo mujeres: Madre, el robot (traje que lleva el actor Luke Hawker pero con la voz de Rose Byrne); Hija, interpretada por Clara Rugaard y Mujer interpretada por Hillary Swank, nos presenta un antes, un ahora y un futuro de lo femenino. El antes, representado por Mujer, soporta el dolor como implementa psicológicamente el Genesis 3:16  A la mujer dijo: Multiplicaré en gran manera los dolores en tus preñeces; con dolor darás a luz los hijos; y tu deseo será para tu marido, y él se enseñoreará de ti. El parto con dolor, o la extracción de la bala, para complacer al marido o ideal es el estigma que queda en Mujer, con su lógica cristiana que se enfatiza en su fé y en las imágenes de la Virgen María que se aprecia a su alrededor, Mujer también quiere adherirse a la vida en cualquier circunstancia, bajo cualquier símbolo o esperanza, de ahí los dibujos y las narraciones de supervivencia y amor pero también los prejuicios. Mujer es creyente en un pasado que conforma sus visiones para manipular las situaciones y mentir sobre la realidad cuyo único fin es mostrar la decadencia pero a la vez la esperanza, Mujer se refugia en la esperanza para enfrentar el futuro. Hija representa el ahora, marcado por contradiciones, inteligente pero ingenua, con un constante empoderamiento pero a la vez vulnerable a la verdad y realidad, rehuye del dolor, de la esperanza y se aferra a la tecnología y la ciencia, el ahora que representa Hija trata de reconciliar la realidad con sus enseñanzas, trata de entender sus emociones (como el enamoramiento que ocurre a través de los dibujos) pero también es práctica, poco dada al sacrificio como hace Mujer viviendo en condiciones de sobrevivencia cuando pueden tener una vida adecuada con lo suficiente medios para existir como lo hace Hija. Robot puede representar el futuro de lo femenino, la eliminación del dolor por una fortaleza estóica, donde el patriarcado, la sexualización y el sacrificio no afecta a la nueva de madre, los prejuicios se derrumba por la fuerza de la sintáxis lógica, lo femenino no se asocia a un animal paridor, sino como una potencia que construye la humanidad, la civilización y cuya principal función es el establecer una moral y una ética en sus descendencias que prevenir con inteligencia las destrucciones que las civilizaciones patriarcales han instaurado, ya no habría creencias sino certezas del quehacer de lo femenino dentro del mundo, dentro de la civilización. Pensamos que estas tres perspectivas de lo femenino en una época de grandes cambios tecnológicos y culturales, donde la familia parece perder su caracter como núcleo de la sociedad, donde las mujeres se desentiende con su papel de meros animales reproductores, donde la fé metafísica se traslada a la fé de los datos, donde la sexualidad y el erotismo ha dejado de ser una práctica correcta para entrar en una autopista de posibilidades y donde el dolor, la belleza, el carácter se hunden sutilmente entre fuerzas políticas, académica y mediáticas, a estas mujeres de ésta época creemos que la película las representan o por lo menos las sintetizan.  

一人称単数 (PRIMERA PERSONA DEL SINGULAR) Libro de relatos publicado por Haruki Murakami durante la pandemia del 2020

Dijo García Márquez que: 100 años de soledad, era 350 páginas de vallenato, ya que el vallenato y su literatura reunían imágenes fantásticas y situaciones irreales como si se tratara de algo lógico y posible, como una lluvia de peces o ebrios muertos bailando precisamente un vallenatos. ¿Podría decirse que la literatura de Murakami son páginas donde trata de unir el jazz con bosanova, jazz con música clásica o jazz con música pop; generando música cuyo compases se expande buscando sensaciones y recuerdos, a veces con intensiones, a veces por azar. Primera persona en singular es un libro editado en julio del 2020, en plena pandemia para el gusto de aquello que aman los relatos y tienen tiempo para divagar por realidades catastróficas, así como una oportunidad editorial de imprimir un libro para llevar a casa, lugar donde todo el mundo debería estar pero que no concuerda con ningun relato de ciencia ficción. El libro esta compuesto por ocho cuentos donde percibimos el estilo, los temas, las preocupaciones y los gustos que a lo largo de sus escritos podemos apreciar en la obra de Haruki Murakami. El estilo de alguien que narra algo con extrañamiento, con perplejidad, en tratar de contar lo vivido vagamente dentro de la realidad práctica que lo rodea, describiendo encuentros que buscan formas de encajar y que en su resolución parecen mágicos, de aquí la atmósfera de realismo mágico que rodea el estilo de Murakami y aunque en Latinoamérica se honra como parte de una de sus principales caracácteristicas de su literatura, podemos hallarlas en otras líneas como en Rabelais o Laurence Sterne o en escritos no latinoaméricanos como: Günter Grass, Milan Kundera, Salman Rushdie. Uno de los temas favoritos de Murakami es jugar con aquel tiempo bergsoniano, aquel tiempo que trató de explicar Proust, donde no es una búsqueda conciente de recuerdos, una exploración voluntaria de la memoria, sino un tiempo que se apropia de los recuerdos, de la memoria, un tiempo que no se puede controlar, un tiempo lúdico en repeticiones y azares y cuyo fin es enfatizar nuestras vivencias, el tiempo se transforma en una autopista de historias que nos viene a la mente cuando menos lo esperamos, como le ocurrió a Proust con la mandalegna, como me ocurre a mí al ver un color, o un objeto y de repente me encuentro en alguna calle que recorrí en mi infancia o en una casa que visité en mi adolescencia, recordando detalles y luces que no hubiera llegado conscientemente. Las preocupaciones de Murakami es cómo narrar algo en apariencia mágico, individual, gratificante como algo posible dentro de un realidad superficialmente homogénea, cómo insertar lo maravilloso en una sociedad con una ética de trabajo donde lo primordial es la disciplina del tiempo, la postergación de las gratificaciones, la lógica del grupo, en última palabra, cómo narrar una ficción humana dentro de una sociedad cuya mayores ficciones son monstruosas o alucinantes. Finalmente el gusto de Murakami por la música está presente, música que son los hilos conductores sus novelas y lo que no somos melómanos nos perdemos entre notas y biografías de músicos, por lo que a veces, se debe oír la música sobre la que él narra para ver sus movimientos, tempo y compases; también el libro nos refleja la pasión del fanático, un tópico poca veces mostrados por Murakami, un hecho de obsesiones y sus resultados como muestra la relación del escritor con el béisbol. 

1) 石のまくらに 

(A la almohada de piedra)

En este texto Murakami nos narra una historia de un jovén de 19 años que para complementar sus mesadas realizaba un trabajo a destiempo. El narrador en primera persona (con esta perspectiva se narra a lo largo del todos los cuentos del libro) nos explica que en ese trabajo conoció a una mujer mayor, por aquel entonces estudiaba literatura (Murakami estudió literatura en la Universidad de Waseda) y al compartir su interés por la literatura, la mujer una tarde le regaló un libro donde estaba sus tanka ( 短歌 ) pequeños poemas o cantos, que ha diferencia del haiku ( 俳句 ) posee una estructura 5-7-5 el tanka posee 5-7-5-7-7. Esta mujer llamada Chiho, cuyo libro regaló, el narrador nos precisa que no recuerda su rostro, aunque trata de encontrarlo en su memoria, su rostro se transforma en una rémora de suposiciones que no se deja apresar el rostro de aquella mujer. Las mujeres mayores aparecen en las obras claves de Murakami como: Tokio Blues, mujeres maduras que marcan el devenir de un adolescente, y en la mayoría de las veces las mujeres en la obra de Murakami presentan performace de nigromantes, en el caso de Chiho, no sólo le obsequió su libro, sino una noche, luego del trabajo, terminaron en el apartamento de él, un apartamento que describe viejo, de madera, destartalado, propio de estudiantes de bajos ingresos y de familia con problemas económicos, mientras hace el amor, Chiho le pide permiso para nombrarlo de otra manera, de decir un nombre que no era el del protagonista y que nuestro narrador tampoco recerdará así como el rostro de la mujer, a medida que la relación se intesificaba, el narrador temía que los vecinos oyeran los gritos de placer de Chiho, por lo que le pidió que se colocara una toalla en la boca para minimizar los sonidos, así mientra la cópula avanzaba, en una fuerza orgásmica, Chiho gritó un nombre, lejos del de protagosnista, posteriormente ella se fue, luego él dejó trabajo, y ahora años recientes, pero lejanos de aquel jovén, vuelve a leer los tanka, las pequeñas canciones que intercala en el texto, terminando con uno de donde obtiene el nombre del relato. たち切れも 〜 たち切られるも 〜 石のまくらに 〜 うなじつければ 〜 ほら、塵となる。Aunque yo corte, aunque tú cortes, a la almohada de piedra, al colocar la nuca, todo se desvanecerá.

2) クリーム 

(Cream)

Un joven de 18 años recibe una invitación para un concierto der piano en un área especial de la ciudad de Kobe, la sala de concierto del monte Rokko, que se ubica en la cima de una montañas que a su vez está en la zona del parque Samaura (Murakami vivió parte de su infancia y adolescencia en Kobe). No sabía por qué había sido invitado, no se acordaba de la chica que lo invitaba ni que haya habido una relación especial. El joven duda entre ir o no, pero al final va. Al llegar descubre que la sala está cerrada, frente al hecho, se sienta y se pone a pensar dónde está el error; si leyó mal la invitació o fue una broma pesada. Mientras reflexionaba la situación con los ojos cerrados, sintió la presencia de alguién, al abrir sus ojos, aparece un viejo, una persona mayor, sin presentación, el abuelo le plantea un enigma como si fuera un Koan, una pregunta que busca en el interrogado una respuesta desligada de cualquier pensamiento racional para poder intuir una realidad. Le dice que se imagine un círculo con varios centros (中心がいくつ もある円や). Jorge Luis Borges recoge en su relato: La esfera de Pascal una tradicción donde tratamos de imaginar una esfera infinita, cuyo centro está en todas partes y la circunferencia en ninguna. Tanto en su versión plana (el círculo) como en su versión tridimensional (la esfera), la imaginación se debe perder entre límites concisos y axiomas de sentido común. Mientras el joven lo piensa, el anciano le comenta que es dificil imaginar un círculo con muchos centros pero si lo logra será como tener cream. Él jovén no entiende la referencia de la palabra cream, y el anciano le explica que proviene de la expresión francesa crème de la crème, de tener lo mejor de la vida. Nuestro protagonista vuelve a cerrar los ojos tratando de explicarse un círculo con muchos centros y al volver a abrir los ojos el anciano no está. Luego le comenta a un amigo lo sucedido y éste insiste en preguntarle por los diversos problemas que rodea la historia, por qué lo invitaron, por qué lo engañaro, por qué apareció el anciano; pero ante esta situación el protagonista comenta que la extrañeza que le recorre contiene las respuestas y quizás sea esa extrañeza donde se encuentre créme de la créme. El amigo queda desconcertado, pero el intuye que la perplejidad puede ser uno de los tantos centros del círculo.

3)チャーリ・パーか・プレイス・ボサノヴァ(Charlie Parker toca bossa nova)

Este relato, como la mayoría de Murakami, muestra una grieta donde las técnicas del realismo mágico como la exageración de los contradictorios, las rupturas del sentido común y sugerir climasa sobrenaturales para distorsionar la realidad se presentan. Así un joven estudiante universitario escribe para una revista universitaria una reseña sobre un disco de Charlie Parker donde el artista toca Bossa Nova con otro artista del género: Antonio Carlos Jobin, en la reseña no sólo habla de las virtudes del disco, sino de los músicos que acompaña a los artista, como el guitarrista Jimmy Rainey o el baterista Roy Haynes también describe las ocho canciones que componen el álbum, su reseña muestra sus sorpresas de esta fusión entre el saxo de Parker y el piano Jobin, al finalizar el recuerdo de esta reseña el narrador nos informa que la ficcionó, que el albún de Parker con Jobin intercalando Jazz con Bossa Nova nunca se realizó, pero que nadie se percató de este engaño porque lo hizo perfecto, creible, posible, mostrándonos en el fondo que los seres humanos disfrutan en realizar engaños como podemnos percibir en el joven estudiante, en ver cómo se engaña a las personas (¿acaso no hay mayor placer en cualquier deporte que observar cuando un jugador o equipo engaña a sus contrarios?) o en resolver los engaños, de aquí las delicias de las tramas detectivescas. La narración continua con un estudiante que se convierte en un escritor importante y paseando por Nueva York entra a una tienda de disco de segunda mano, allí halla el álbun que el reseñó, igual, con todas las característica que presenta  en su reseña. Cuesta 35 dólares y por varios minuto titubea entre comprarlo o no. Al final no lo compra porque piensa que es un engaño, que es falso. Al día sigiuente se arrepiente de no haberlo comprado así que regresa a la tienda pero el álbum no está, habla con el dependiente y éste le comenta que nunca lo ha visto. Dentro de su perplejidad, dentro de esta situación de profundos engaños y realismo mágico el autor se retira. Al final del relato el protagonista tiene un sueño, donde Charlies Parker toca algunas piezas. Luego de su interpretacion, Parker comienza a hablarle de su corta vida, murió a los 34 años. El autor piensa en su primera novela que se publicó cuando él tenía 34 años, A partir de la muerte del saxofonista y de nacimiento de escritor comienza un diálogo constante entre lo vital y lo trivial del tiempo. Parker comenta que cuando moría tenía en la mente una melodía de Beethoven, y explica que una vez muerto, la idea del tiempo desaparece. Al final le da la gracias al narrador porque con su reseña dio melodía y música dentro de su intemporalidad existencial al escribir la reseña. El protagonista despierta, y sabe que puede creer en el sueño porque los sueños no engañan, ¿así podríamos pensar éste final? 

4) ウィズ・ザ・ビートルス 「With the Beatles」(Con los Beatles)

Los Beatles fue un fenómeno que afectó significativamente a toda una generación, pero en Japón los medios de comunicación y la derecha no fueron amables para nada, de hecho sólo dieron un concierto el 30 de abril de 1966 en el 日本武道館 es decir, en el Estadio de Artes Marciales de Japón, conocido como el budokan, con una capacidad para unas 15.000 personas, este es un edifició que se construyó para albergar el judo para los juegos olimpicos de Tokyo 1964. Fueron tanta las presiones que estuvieron a punto de suspenderlo, hubo manifestaciones, amenazas de muertes y muchos retrasos, y el curioso dato de que se desplegó una fuerza de 35.000 policías entre le interior y el exterior del budokan, es decir, el doble de los que pagaron las entradas. Esta es una de las maneras que muestra la presión la cultura japonesa: la masificación. El narrador del relato nos cuenta una vivencia de un momento de adolescencia cuando caminado por los pasillos del instituto, en sentido contrario venía una joven de la que no se acuerda su rostro, no puede recorda si era bonita o no, tampoco si es un sueño o no, pero le distinguía que llevaba en sus manos el segundo álbum de los Beatles titulado: With The Beatles, ese disco lo oyó cuando tuvo 35 años, ya que por aquella época no le gustaban los Beatles. El protagonista comienza a narrarnos situaciones que ocurrieron en 1965, como la guerra de Vietnam, el descubrimiento del gato Iriomote en Okinawa y su relación amorosa con una joven del instituto: Sayoko, quien no era guapa pero si popular, algo celosa y habladora, tampoco le gustaba los Beatles, el narrador la clasificaba de burguesa y a esa clasificación a las jóvenes de aquel momento debía gustarle, pianistas como Roger Williams o cantantes como Andy Williams o Nat King Cole. También por aquellos años tuvo una experiencia que colapsó sus pensamientos, el suicidio de su profesor guía, quien veía como una persona bodadosa, noble y atenta, sin sombras ni pesares pero que un día llamaron a sus alumnos para notificarle su muerte. Se quedó mudo por largo tiempo procesando el por qué alguien se puede suicidar. El narrador nos comenta un momento de la relación que por confusión fue a parar a la casa de su novia Sayoko para estudiar pero ella no estaba, la puerta la abrió su hermano del cual ella nunca le habló. Mayor que ella, el hermano lo hizo pasar a la casa para que esperara a su hermana, el narrador se sentó a esperar mientras veía a un hombre sin formalidad ni compostura, que iba y venía por la casa y a veces ofreciéndole café. En algún momento el narrador se puso a leer para aprovechar el tiempo y el hermano se acercó para preguntarle qué leía. Era un libro de literatura del instituto y leía sobre autores japoneses, Tanizaki, Akutagawa. El hermano le pregunta qué está leyendo de Akutagawa, el contesta 歯車「はぐる」Los engranajes La última novela que escribió antes de suicidarse. El hermano se sorprende. ¿suicidarse? Sí, contesta el narrador y le parece extraño que no sepa una información de un libro de instituto. Akutagawa se suicidó con 35 años, ¿no lo sabía? El hermana dice que ha dejados los estudios por padecer de una enfermedad en la cual pierde la conciencia de lo que hace, no es como la epilepsia que pierde el control del cuerpo, el mantiene el control pero olvida largos período de tiempo y especialmente dónde estaba y qué hizo por lo que pasa largas temporada en la casa solo. Luego de explicar su situación le pide que lea parte de la novela. El narrador suspicaz no quiere leer pero cede al final, lee el último capitulo de la novela que termina recitando:「誰が僕の眠っているうちにそっと絞め殺してくれるものはないか?」¿No habrá alguien que en sigilo me ahorque mientras duermo? El narrador nunca le comentó a su novia de este encuentro. Han pasado dieciocho años, el protagonista tiene 35 años, está casado y caminado por Tokio, en dirección opuesta se acerca un hombre bien vestido que lo detiene y le comenta que es el hermano de Sayoko. Un balde de imágenes y recuerdo aparece y al preguntar por aquella novia de juventud, responde el hermano que se suicidó. Se había casado, tenía dos hijos y sin ningúna razón aparente se quitó la vida, a veces le comentaba que se acordaba de su primer novio. El protagonista queda sin palabra, mientras el hermano le responde que desde que tuvo esa reunión con él, su enfermedad comenzó ha desaparecer y ahora se encuentra totalmente recuperado. Al final el narrador nos indica algo del sentimiento de perplejidad que siempre acompaña los suicidios: el literario, el real, el cercano.

5)「ヤクルト・スワローズ 詩集」

(Colección poética sobre Las Golondrinas Yakult)

Una situación dificil para un traductor de Español o un traductor sin conocimientos de deportes, es traducir jergas de béisbol, futbol o tenis. Me acuerdo estar leyendo: La fórmula preferida del profesor de Yoko Ogawa, la parte donde le profesor le habla al niño sobre partidos de béisbol diciendo las difencias de algunos partidos por "¡puntos!", es como decir que el Barcelona le ganó dos puntos a uno al Liverpool. Saber los momentos, los ritmos, el clima del béisbol es esencial para disfrutar este relato que podría considerar mi favorito dentro de este libro y por lo tanto precisar que el jardinero en béisbol no es alguien que cuida jardines, sino el jugador que se desempeña en la zona externa del diamante que conforma las bases. Este cuento está dedicado al fanatico, al que sufre, llora y logra explosiones de alegrías con sus equipos, todo sin una razón que lo guíe, que en el caso de Murakami es el equipo de béisbol de Tokio llamado Swallows Yakult, es decir, Las Golondrinas Yakult de Tokyo. Yakult significa yogurt en esperanto, es una compañia de bebidas donde sus creadores pensaban que su descubrimiento de una bebida azucarada con base de yogurt que povee de bacterias a la flora intestinal, fortaleciendola contra enfermedades como el cólera, debía ser universal, de aquí la palabra fue obtenida de un esperado esperanto universal. La bebida ha tenido éxito tanto en Japón como en otros países, y entre sus intereses fue comprar el equipo de béisbol en 1970 cuando se llamaba Sankei Atoms, cambiando su nombre en 1974, en la foto podemos ver sus cambios de indumentarias y al venezolano Alex Ramírez con el número 3 quien se destacó como una estrella del equipo. Hay una historia que dice que la novela de Murakami: Escuchar la canción del viento, se le ocurrió a éste viendo un partido de béisbol en el estadio el primero de abril de 1978. Con esta introducción podemos visualizar con más facilidad el cuento. Comienza con un narrador comentando que antes de que su fama como escritor crerciera, había escrito un libro de poemas titulado: Colección poética sobre Las Golondrinas Yakult.  Supuestamente fueron 500 ejemplares que se publicó en 1982, de los cuales apenas se vendieron unos 200, los publicó con numeración y algunos firmados, la empresa editorial con que trabajaba no veía un valor económico en los poemarios, así que el jugó, los publicó por su cuenta y perdió, en la actualidad conserva sólo dos ejemplares. Comenta que debido a su fama y que jamás se volvió a reproducir los poemarios por diversas razones, se consiguen a un precio desorbitrante en la Web, por lo que si hubiera sabido el destino de los poemarios, los hubiera guardado y hecho buen dinero en ésta época. El narrador enfatiza que esto ocurrió, que los libros existen en la realidad, aunque conociendo la escritura y el estilo de Murakami, esta referencia puede ser simplemente una bisagra de su universo con matices de realismo mágico. La narración se convierte en un ir de recuerdos, de una infancia donde observa a su padre fanático de los Hanshin Tiger de la región de Osaka, uno de los principales rivales de los equipos de Tokio, por supuesto el de Las Golondrinas. Comenta el narrador que el temperamento de su padre se modificaba dependiendo de cómo le hubiera ido a los Hanshin Tiger en su partido previo, y con el tiempo, los partidos de Las Golondrinas Yakult influyó en el joven fanático que siempre apoya al mismo equipo. Durante décadas, tanto como Atoms como Swallows, los equipos del narrador no arrojaban resultados destacables, era un equipo mediocre sin brillo, lo que le enseñó a rumiar las derrotas. Siempre perdían, menciona el narrador, pero en algún momento se dio cuenta que lo importante es acostumbrarse a perder. En 1978 ganó por primera vez el campeonato de béisbol japonés (ganaría otras cuatro, su última en el 2001), y explica que lo valioso no es ganar sino saber perder. Cuenta que al ser fanático iba varias veces al año al estadio, allí entre cervezas negras y cambios de innings, comenzó a escribir en una libreta poemas inspirados durante el juego, también recordaba a su padre, que se volvió diabético y con el cual no se la llevaba bien, aunque la única característica común es que ambos son fanáticos del béisbol. A la muerte del padre, recordó cómo con ochos años lo llevó a un partido de demostración de Los Cardenales de Saint Louis en Japón, recuerdo que aparece luego del velorio del padre. Luego visita a su madre para ver algunas posesiones del padre, y escondido en una caja había toda la colección de tarjetas magneticas para los teléfonos público con los diversos jugadores de Hanshin Tiger, todos los años que salieron, inclusive había tarjetas que nunca se usaron y, normalmente, su padre nunca usaba los teléfonos públicos, por lo que esa herencia mostraba el niño fanático que había sido su padre y que lo era también él. El cuento intercala varios poemas del libro donde el ambiente del béisbol es lo principal, tiene rasgo que pasamos desapercibidos en un juego de béisbol llenandonos de sentimientos jocoso en su mayoría como el poema titulado「外野手のお尻」y que traducimos sus primeras líneas:「外野手のお尻」Los culos de los jardineros 僕は外野手のお尻を眺めるのが好きだ。Me gusta la vista de los culos de los jardineros というか、だらだらとした負け試合を外野席で一人で見でいるとき　me digo, mientras veo solitario y languidamente la derrota del partido desde una silla en los jardines, 外野手のお尻をじっくり眺めるほかに excepto de ver bien los culos de los jardineros どんな愉しみがあるだろう？¿qué otro tipo de diversión puedo obtener? あったら教えてもらいたい。Si existe quiero que me lo enseñes そのようなわけで por esa razón 外野手の臀部について語らされば si hablara de las nalgas de los jardineros 僕は一晩でも話ができる。yo podría pasar una noche conversando sobre ellas. Finalmente el narrador se prepara para ver un partido y a la vez se prepara para perder.

6)  謝肉祭　「Carnaval」

(Carnaval)

En este relato, el narrador nos habla de sus encuentros y relación con F* una mujer que conoce en un concierto por medio de un amigo y que de inmediatamente la clasifica de fea (醜い) palabra que tiende a no usarse en el japonés cotidiano para no ofender, por lo que es curioso que el narrador describa a F* como fea. En algún momento F* y el narrador comienzan a hablar de sus gustos musicales, ambos son melómanos y ante la pregunta: ¿si debes ir a una isla sola por el resto de tus días cuál musica te llevarías?, ambos estuvieron de acuerdo en llevar la pieza Carnaval Op9 de Robert Shumann. Tanto le gustaba esa pieza, tanto la conocían y apreciaban que decidieron formar una especie de club, solo ellos dos llamado: Carnaval, cuyo principal objetivo era ir a los concientos de Carnaval juntos, o comprar y comentar algún álbum que apareciera en el mercado, así como reseñas o estudios de esta obra de Shumann. No conocía a su esposo, pero por los lugares que iba, por la zona en que vivía, por las joyas y el lujo que llevaba, daba a entender que era rica, que no pasaba penurias económica, por lo que iban a un exclusivo café antes de ir a una representación de Carnaval de Shumann. Ella tampoco conocía a su esposa, pero la esposa del narrados la había visto por casualidad, así que no se oponía a sus salidas, por el hecho de que ella era muy fea. El club Carnaval duró como seis meses, luego un día de Octubre la llamó para ir a un concierto pero el teléfono no contestaba. Intentó varias veces comunicarse con ella para mantener el club pero en cada intento los teléfonos se quedaban silencioso. Un día, luego de varios meses sin saber de F* apareció en televisión junto a su esposo, ambos estaban acusado de haber estafado 10.000.000.000 yenes. El narrador no pudo dar crédito a la noticia, pero F* era una estafadora que amaba Carnaval. Trató de hallar información al respecto de ella, pero no la consiguió, comenta que sigue yendo a los conciertos de Shumann y oir carnaval, aunque sabe que no la encontrará. Luego el narrador rememora un acontecimiento en su época universitaria, un amigo lo llevo a una cita doble, y la persona que le toco era fea. La evitaba hasta que ella comenzó a hablar de Jazz, así pasaron toda la noche conversando de sus temas y jazzistas favoritos. Luego trató de tener otra cita con ella pero nunca consiguió su teléfono. 

7)品川猿の告白

(Confesiones del mono de Shinagawa)

Los animales, especilamente los gatos se reparte a todo lo largo de las novelas de Murakami, gatos que se buscan, gatos que se encuentran, gatos que ven, a lo largo de varios escritos del japonés algún animal se introduce, también cuervos, elefantes, ovejas, monos; uno podría ser una recopilación del bestario de Murakami, y su uso particular de esos animales como lo hacía Kafka, dandoles un simbolismo, una identidad, un qué hacer. Dentro del bestario de Murakami se incluiría este cuento. El narrador está en una aguas termales en la prefectura de Gunma, solo, disfruta de la tranquilidad y del placer de relajarse con las aguas termales, de repente entra un mono, no como cliente, sino como trabajador, el narrador lo ve con expectación, lo ve laborar, y como si fuera una conversación común, el narrador empieza a cuestionarle su vida. El mono le comenta que aprendió a hablar gracias a un profesor que le enseñó y que le encantaba la magia, pero por diversas razones tuvo que dejarlo y terminó trabajando allí. El narrador quiere más información, pero el mono le dice que ahora está ocupado, pero que puede pasar por su habitación más tarde para conversar. En la noche, el narrador y el mono se reunen, se abre unas cervezas Sapporo, ponen algo de música y comienza la velada. Le comenta que tiene 3 años trabajando en el ryokan, que se llama Shinagawa Saru, que hace diversas funciones menos cocinar, en algún momento le comenta que vivió con otros monos pero que no se podía comunicar, el lenguaje de los monos no lo domina, aunque siente que el lenguaje humano tampoco. Comenta que su mayor problema son las relaciones con las hembras, ha habido oportunidades con monas, pero le atrae las humanas. El narrador le pregunta qué pasa cuando se enamora, el mono contesta que le roba el nombre de la mujer. ¿robar el nombre? Si, contesta el mono, en algún momento entra a la habitación, y le roba la licencia de conducir, se memoriza el nombre y así siente que la posee, siente su energía, su esencia. Cuánta veces has robado el nombre le pregunta el narrador. Siete veces le respondió el mono, pero ahora no lo hace. Al día siguiente llega a la recepción para pagar su estada, al ver que no le cobran las cervezas le pregunta al encargado por qué, éste se queda sorprendido y dice que en el ryokan no se vende cervezas. No se atrevió a preguntar sobre el mono porque pensó que no lo entenderían. Cinco años después debe ir a una reunión para conversar de los avances de su obra que aun no se puede imaginar. En la reunión llegó una mujer que dijo que por un momento no se acordó de su nombre y se preocupa de haber tenido algún accidente cerebrovascular. Había perdido su cartera en el parque de shinagawa, luego la llamó la policía para regresarle la cartera en una estación cerca del parque, durante ese período se sintió extraña por no acordase de su nombre, al llegar a la estación descubrió que le habían robado su carnet de conducir solamente. El narrador se acordó de la conversación que tuvo con el mono, pero sabía que nadie le iba a creer. Reflexionaba en la vida de un mono que lucha entre hacer y no hacer, entre un amor extremo y una extrema soledad. 

8)一人称単数

(Primera persona del singular)

Muchas obras de Murakami giran en torno a la confusiones, pero a diferencia de la comedia, donde la confusión genera humor, la confusión en las obras de Murakami crea una sensación de opresión, como las confusiones que se reproducen en las obras de Poe, también gran parte de las obras de Murakami son sutiles obras de bildungsroman como podemos apreciar en este libro de cuento y quizás este cuento narre el final de toda educación japonesa, el sentimiento de vergüenza y la individualidad frente a la masa. Así este último cuento nos muestra un particularidad confusión y cómo el sentimiento de verguenza que domina la cultura japonesa se instala. Este cuento que da nombre al libro y que podemos pensar que es un desdoblamiento del escritor para enseñarnos ciertos procesos, así al usar una forma soslayada la "la primera persona del singular", el narrador comienza su historia explicando el porqué no le gusta usar trajes, tiene pocos y trata de no ponerselos nunca; pero un día salió con un traje a caminar y terminó en un agradable bar. Al lado había una mujer que leía un libro. De repente la mujer se dirige a él diciendole: ¿Tu eres feliz usando ese traje? ¿Te sientes guapo? Ante el asombro de las preguntas y sus dudas, el narrador le pregunta si se conocen. Tu me conoces, asevera la mujer con un toque de burla, claro que me conoces, afirma y posteriormente dice: tú no sabes de moda. Tu traje es bonito pero no está bien. El narrador sigue perplejo y trata de encontrar alguna conexión con la mujer que le explica que ella si sabe de moda. Luego precisa: una vez nos conocimos pero quizás tu estaba ocupado, yo soy la amiga de tu amigo, ahora él te odia y yo también, me parece un hombre desagradable. Nuestro narrador siente verguenza, trata de ver todo desde otra perspectiva para tratar de entender la situación, pero no logra resolver lo que le ocurre. Al final solo sentimientos de verguenza acorralan al narrador.