PERFECT DAYS - DOMINGO DE CINE (24)

Película: Perfect Days

País: Japón-Alemania

Año: 2023 Duración: 124 minutos

Director: Wim Wenders

Actores: Yakusho Koji, Emoto Tokio, Nakano Arisa, Kawasaki Yuriko

Sinopsis. Hirayama (Koji Yakusho) trabaja como limpiador de aseos públicos en Shibuya, Tokio. La suya es una existencia tranquila y apacible. Todos los días se levanta a la misma hora, se prepara de la misma manera y trabaja de la misma manera. Aunque su vida pueda parecer monótona, no hay dos días iguales, y afronta cada nuevo día con un optimismo sereno. El estilo de vida de Hirayama irradia una belleza apacible. Le encantan los árboles y contemplar el komorebi (木漏れ日), el que es el resplandor de luces y sombras que crean las hojas al mecerse con el viento. Pero acontecimientos inesperados crean ondas en su vida que se remontan a su pasado constantemente, mostrándonos Wenders la construcción de la humanidad en los individuos, proceso que lleva tiempo, sentimientos y decisiones. 

Pensar la película: De que se trata: Perfect Day, la mayoría de los críticos colocan esta obra donde en apariencia no sucede nada, una mirada a lo mundano que nos puede conmover profundamente, y esto lo combina con la aceptación de una condición de vida que si bien no es la mejor para la mayoría por lo que produciría una persona amargada y resentida, lo cierto es que el protagonista disfruta su trabajo, con la serenidad de un budista zen, aunque su trabajo sea limpiar inodoros, por lo que algunos aseguran que es un canto a la esperanza y a la resiliencia. Pienso que la obra de Wenders, como toda su producción y de ahí su maestría, es vestir de humanidad a las personas y en especial en esta época donde la mayoría de las películas lo que buscan es vestir de héroes (películas donde aparecen personajes con superpoderes consciente o inconsciente) o subhumanos (películas llenas de zombis o marginados en sociedades utópicas), a la humanidad. La humanidad con la que se viste Hirayama, el protagonista, es una humanidad que le da sentido a su vida: su orden, el hallar las variaciones en lo constante encontrando en ella agrado a su existencia, a su mundo, como el recoger un brote de árbol o participar en un juego con un amigo secreto o el conectarse con los niños o frágiles. Las personas se preguntan sobre lo humillantes o desagradable del trabajo como lo hace su propio compañero de labores o su hermana, como si no fuera feliz, pero es de Hirayama y ¿qué felicidad puede experimenta? Pues pienso que la felicidad que experimenta el protagonista es la propia de un autista y creo que esto es lo que las personas no aprecian. Hirayama muestra rasgo de autista como es su inexpresividad, el sentirse mejor solo que acompañado, en mantener sus rutinas y sus colecciones, así como sus pequeños rituales como comprar el mismo café en la misma máquinas todas las mañanas o cenar en el mismo restaurantes todas las noches, o hacer en su día libre lo mismo, día tras día. Conozco esta felicidad porque es la que me enseñó mi padre, un autista como Hirayama y el cual me costo años comprenderla, incluso en comprenderme porque la búsqueda de la "felicidad" que todos me decían que tenía que obtenerla y sus caminos a seguir, pues yo no lo hice, no busque la felicidad que todos buscan, sino como un autista de alto funcionamiento que me he reconocido, pues mi felicidad es igual a la de Hirayama, a la de mi padre, y es hallar las variaciones en la cotidianidad, en mis caminatas, en mi jardín, en mi día a día. Parte de toda esta experiencia la relate en mi novela; EL EVANGELIO AUTISTA DEL ÚNICO HIJO, y todo lo que siempre digo a las personas que tienen algún familiar con algún rasgo de autismo es no obligarlo a ser felices, ellos ya saben lo que los hacen felices, aunque sea limpiar inodoros como nuestro protagonista.  

CERRAR LOS OJOS - DOMINGO DE CINE (23)

 

PELÍCULA: CERRAR LOS OJOS

PAÍS: ESPAÑA

AÑO: 2023    DURACIÓN : 210 minutos

DIRECTOR: VÍCTOR ERICE

ACTORES: Manolo Solo, José Coronado, Ana Torret

SINOPSIS: Una película dentro de otra, un misterio sin detectives, unos medios de comunicación que buscan respuestas para mantener un público que olvida rápido el pasado, un filme que muestra a todo lo largo de su exposición que cada producción tienen sus ritmos y sus tiempos, y el de la memoria es el más aletargado y el de las emociones el más corto. Esta condensación y expansión de la memoria es el esqueleto que sostiene la película y que la vive un director de cine (Manolo Solo) cuando se dedica a recordar, a buscar a su amigo actor (Jóse Coronado) que desapareció sin explicación luego de rodar una toma de una película que realizaba hacía veinticinco años atrás. 

PENSAR LA PELÍCULA. En un año que nos saturan con películas manejadas con memorias afectivas de la infancia como es Barbie o llena de información histórica, como es Oppenheimer, ambas películas comentadas, alabadas o desechadas por la crítica y el público, mientras la película de Erice ha sido aclamada por la crítica y aplaudida por un sector "culto" del público y rechazado por miles de espectadores. Muchos comentan esta película como una obra de arte pero: casi nadie la ve. Apenas a recolectado 600.000 de dólares en taquilla, que si lo comparamos con los 1.441.820.452 de Barbie y los 952.011.450 de Oppenheimer; pues sí la obra de Erice le ocurre como a muchas obras actual del cine, nadie la ve, y sus principal público son algunos cinéfilos, curiosos, conocedores y personas que quieren gozar un cine lejos de los demás, quizás sin exhibir por las redes su gozo, como es la tendencia de las personas que van al cine, no para disfrutar y perderse en la película, sino para que la vean, como últimamente presencio cuando voy al cine. Quizás sean los jóvenes o personas cuya educación estética ha sido sólo conformado por superhéroes, series de Marvel y sueños de DC, quienes generen estas críticas que tomo de la red: "Terrible, espantosa, larga y tortuosa", "Los peores actores que he visto y mala dirección", "diálogos forzadísimos, sin ritmo, sin conflictos, sin sentido", "una historia llena de clichés, tópicos, frases vagas, en conclusión: inútil", y una de la que más gracia me da: "Varias personas abandonaron la sala; yo me arrepiento profundamente de no haber seguido su ejemplo. Sólo me marché de una sala de cine en una ocasión, en los años los noventa, con la película Showgirls, y eso que yo, adolescente en ciudad de provincias, podría haberme dejado seducir por los desnudos y el erotismo. Pero no, la película era terrible aun para un teenager pajillero. Lo trágico es que "Cerrar los ojos" es todavía peor película". Entonces algo ocurre, algo que estamos dejando pasar, algo que podía preocupar a las personas, a la industria del arte, a la creación, a los artefactos culturales como llaman algunos posmoderno y es una clarísima diferencia del gusto, de perspectivas, de criterios, de experiencias vitales, del gozo, de trascendencia sobre los productos de arte, del capitalismo banal como educador de opiniones. Leo las críticas de los expertos y todos hablan de la inteligencia de la película, de cómo el director nos muestra la fragilidad de la memoria, de los sentidos, de las acciones, una crítica que alaba la actuación de los protagonistas, de su fidelidad al papel y de sus reacciones emocionales variables y profundas que se necesitan actuar a todo lo largo del filme, pero aunque la crítica clasificada hable maravillas del filme, muchos comenta de los "forzados" de los diálogos, del sin sentido de las escenas, y de como todos abandonan el barco lentísimo que va hacia un iceberg de fracaso. Trato de entender a los que evalúan la obra como pésima, dándole la mínima aprobación posible, me imagino que ya hay una generación que sólo tienen placer en los excesos que le producen serotonina por las escenas de acción, en las respuestas rápidas e ingeniosas a problemas cotidianos y torpes, en inspirarse en dragones, lunas en galaxias desconocidas como hechos sensibles para entender su realidad. También me coloco en lo que califican como obra de arte la película, como un intento de conservar la belleza del cine, de mostrar momentos inolvidables que no requiere explicaciones, de dejarse atrapar por la historia que puede ser más común y corriente de lo que se pueda suponer. 

Pienso que la película de Erice es un test, un examen para conocer cómo estamos educados estéticamente, para reconocer nuestra capacidad crítica sin que nos hundamos en un tsunami de opinión con las masas, de saber cómo nos liamos con el tiempo, porque muchos acusan la película de ser larga y lenta, como si a mayor acción y diálogos profundos que ocurran en un tiempo es mejor el filme y no pueden observar la increíble cantidad de sentidos y belleza que la obra de Erice comprime en sus silencios, imágenes o en simples conversaciones o acciones como el de anudar una cuerda, y como podemos regodearnos en ellos, esta obra es un examen para reconocer nuestros sesgos sensibles, pero también es un examen opcional, que como eran algunas materias en la universidad, sabemos que no nos completan nuestra formación sino que la puede agrietar, así que veo el filme de Erice como un examen para conocernos, para enfrentarnos con las raíces de nuestra educación estética y observar nuestros cercos que nos pueden detener para disfrutar de otras perspectivas, artes, propuestas, para saber si aún los recuerdos que no estén en una nube o en las redes sociales aún nos importan.   

LE CINQ DIABLES - DOMINGO DE CINE (22)

PELICULA: Le cinq diables - Los cinco diablos

PAIS - Francia

AÑO: 2022    DURACION 103 minutos.

DIRECTOR: LÉA MYSIUS

ACTORES: Sally Dramé, Adèle Exarchopoulos, Swala Emati, Moustapha Mbengue.

SINOPSIS: Vicky (Sally Dramé), es una niña de uno ocho años que es extraña y solitaria, además de tener el don particularidad de reproducir cualquier aroma que le guste y viajar en el tiempo mostrándonos los inicios de una chamán. Ella ha capturado en secreto el olor de su madre (Adèle Exarchopoulos), por la que siente un celo particular. Cuando la hermana de su padre, Julia (Swala Emati) irrumpe en su vida, Vicky reproduce su olor y se ve transportada a oscuros y arcaicos recuerdos que la llevan a descubrir los secretos de su pueblo, su familia y su propia existencia.

PENSAR LA PELÍCULA:  En esta época los cineastas parece gustarles y utilizar con bastante frecuencia a niños preadolescentes como protagonistas, así hemos vistos películas como la irlandesa THE QUIET GIRL (2022), con una historia muy sencilla de una niña que pasa el verano en casa de su tía mientras su madre está embarazada a punto de dar a luz; la bizarra noruega PODERES OCULTOS (2021) donde los niños descubren poderes pero que no lo hace superhéroes como muestra las películas de Disney sobre preadolecentes poderosos, sino que al final esos niños se vuelven instrumento de destrucción, como lo comentaba los evangelio apócrifos de "La infancia de Jesus", el futuro Jesucristo, explicando cómo eliminaba a los cuervos por molestarlo o cómo asesinó a otro niño con su poder, porque le hacía acoso; también hemos visto películas como LA SOMBRE EN MI OJO (2021), un drama bélico danés donde los niños descubren que el horror es más fuerte que su imaginación, el amor, o la fe, o MIGNNONES (2020) donde un grupo de adolescentes realizan bailes para divertirse pero que es censurado por la misma sociedad que lo promociona, así observamos los conflictos de una preadolescente mientras observa cómo su madre debe aceptar la nueva esposa de su padre, herencia seculares de una cultura africana de donde proviene la familia y donde la mujer debe ser sumisa y modesta, por lo que la preadolescente no logra entender sus bailes, las censuras y el cómo ser una hija ejemplar; también tenemos el thriller sueco DEJAME ENTRAR (2008) donde hallamos una historia de vampiros y sobre la amistad entre preadolecentes en caseríos que bordean a Estocolmo. Estas películas de preadolescentes están alejadas de una inocencia mágica tipo Harry Potter o Matilda que se descubren en el lado "correcto" de la historia, estas películas que hemos nombrado desnuda el poder como algo implacable y mortal y no como una herramienta de juego. En sintonía con estos tipos de películas vemos LE CINQ DIABLES donde observamos la vida de una preadolescente precoz que aprende también sobre la vida de los adultos que la rodean como son sus padres, tía y abuelo, así como descubre historias de amor de pueblos olvidados a los pies de los Alpes que amenazan sus propia existencia. Hay juegos de viajes temporales, fuera de toda explicación física como son comunes en películas de ciencia ficción o de las de Christopher Nolan, viajes chamánicos que está inscritas en la intuición femenina o por lo menos así lo revela la película. Este filme los viajes temporales nacen con los aromas que se encierra en los recuerdos, presentando una alternativa riesgosa pero encantador por parte de la directora que a su vez, como otros directores, se cuestiona sobre la "inocencia" de la preadolescencia que los adultos quieren ver como una época de buenos descubrimientos y amabilidad exagerada por parte de unos preadolescente que van reconociendo lo terrible o el horror que le deparará el futuro los mayores.

PLAN 75 - DOMINGO DE CINE (21)

PELICULA: Plan 75 

PAIS: Japón – Francia 

AÑOS: 2022.  DURACIÓN: 113 Minutos 

DIRECTOR: Hayakawa Chie 

ACTORES: Baisho Cheiko, Isomura Hayato, Arianne Stefanie 

SINOPSIS. Una película de futurista que trata de responder a la pregunta sobre el envejecimiento que está ocurriendo en Japón y donde se pronostica que para el 2050, un cuarto de la población tendrá más de 65 años, es decir, una de cada cuatro personas será un individuo que necesitará algún tipo de atención médica, psicológica, económica, pero cuya productividad será casi nula. Plan 75, se presenta como una película del género de la ciencia ficción, pero incómodamente realistas y plausibles que está lejos de ser divertida, apocalíptica o aventurera como nos quieren vender el género. Apenas parece que tenga lugar en el futuro, pero el vacío de las calles, la falta de niños, las indiferencias emocionales, así como la conservación de las costumbres que enseña el filme al mostrar a varias personas que se involucran en un nuevo programa gubernamental que trata de animar a los ancianos (que superen los 75 años) a poner fin a sus vidas mediante la eutanasia, pareciendo lógico para algunos en algunos momentos de la película, pero con una seducción obscena del horror que se da cuando se presenta cualquier holocausto. 

PENSAR LA PELÍCULA. Es una película que engaña, no al estilo de aquellas que buscan llamar la atención con posiciones políticas, o con efectos especiales, o haciéndola popularmente correcta, es un engaño sobrecogedor, como si morir dignamente o aceptar la vida hasta sus últimas consecuencias tiene las suficientes relevancias éticas en una sociedad donde todos sus engranajes son económicos. Hay un guiño a la estética de Adorno, hay una presentación al extremo de una lógica negativa de la experiencia estética, aquella que nos permite acceder a lo otro como lo otro y a lo extraño como lo extraño. Cuando nos relacionamos con una película nos encontramos con lo contrario de la realidad, con la apariencia, la ficción, el engaño, lo imaginario, lo irreal en general, es decir, un lugar liberado de los imperativos de la cotidianeidad y de la comunicación habitual, un lugar en donde prima lo extraordinario; y lo particular de esta película, es que lo logra dentro de la normalidad cotidiana más común y corriente hacernos extraño lo más normal de nuestro existir. Es una película que nos miente con verdades vistas, pensadas, oída, porque no hay nada más verdadero que esas mentiras que significan negar lo existente en lo inexistente y no lo contrario como es el pan nuestro de cada día con las películas de fantasía y acción. Así este filme de la realizadora Hayakawa Chie reivindica la mentira del arte como un poder de negación más que un poder de creación. Por esto la película se desarrolla en una apariencia de lo que no tiene apariencia, es promesa de felicidad futura, pero no presente, es entrar en tensión al estar de acuerdo con lo que se presenta a la vez que nos inquieta, esta situación se opone radicalmente a cualquier tipo de esteticismo y a un arte complaciente, ligado a las intenciones de las industrias culturales contemporáneas en donde prima la diversión y la complacencia y si no me creen vaya a ver la película más taquillera del año Barbie, con el argumento de escapar de la realidad, de no querer pensar porque en teoría la angustia carcomen las neuronas de las nuevas generaciones, de tener un momento de diversión usando ropa fucia fuera de una cotidianeidad que siempre nos rodeará. En fin, lo interesante es que siempre hay opciones, aunque se puede sentir que la globalización uniforma más el mercado, las opiniones y nuestras expectativas así que no nos extrañe que cuando lleguemos a los 75 año este futuro nos alcance.

ESPÍRITU SAGRADO - DOMINGO DE CINE (20)

PELICULA  Espíritu Sagrado

PAÍS  España

AÑO 2021 - DURACIÓN 97 minutos

DIRECTOR Chema García Ibarra

ACTORES Nacho Fernández, Llum Arques, Rocío Ibañez, Joanna Valverde

SIPNOSIS Esta película es un compendio, resúmenes tras resúmenes y de una manera genial sobre la estupidez humana. Vemos al tonto, al imbecil, al incapaz, al torpe, al vacuo, al loco y al que desvaría. Se hallan sumarios sobre la idiotez básica, sobre la maldad y sobre la inocencia y también acertadas propuestas sobre el fanatismo, la libertad, la familia, las conspiraciones. Personaje tras personaje encontramos al final una obra en donde sus partes forman un mosaico estético y profundo sobre las ignorancias y las esperanzas de los seres humanos. El argumento lineal de la película es el fallecimiento de Julio, un líder desde diversas perspectivas y cómo afecta su muerte inesperada a sus miembros, especialmente a su favorito discípulo José Manuel. En teoría Julio hablaba y escribía sobre un nuevo devenir para la humanidad a partir de una particular interrelación con extraterrestres, de un encuentro con los creadores de la raza humana, de entrar en la eternidad.

PENSAR LA PELÍCULA: Esta película nos enseña, por un lado, sobre la estupidez humana, sobre aquel que se hace daño a sí mismo y a los demás, aunque esto puede ser una definición básica de estupidez, lo cierto es que con ella la mayoría de las desgracias y debilidades humanas aparecen. Pues la estupidez es como una luz negra que difunde la muerte en lugar de la vida, que esteriliza en lugar de fecundar, que destruye en lugar de crear, a veces se expresa en forma de legión o muta y sus síntomas son infinitos de ahí quizas tantos sinónimos y un sólo antónimo: sensatez. Parte de los sintomas de la estupidez son prensentadas lúcidamente en el filme, en el actuar y pensar de los personajes, en la publicidad constante que acompaña el día a día de estas personas circunscritas en sus creencias, en la manipulación de los mas inocentes: los niños; por otro lado, la película nos muestra aquella ignorancia militante, de aquella ignorancia que se mantiene por voluntad, de aquellos que no quieren aceptar saberes que les sustentan su realidad y mantienen sus relaciones sociales así como las culturales. Estos ignorantes militantes aceptan la verdad de aquellos que falsifican el pensamiento crítico por una fe que se basa en una interpretación mediocre de los hechos verdaderos para mantener un poder desvaneciente o ascendente, conviertiéndose en pupilos que aceptan estas interpretaciones porque los hechos verdaderos se les desvanecen entre sus creencias o esperanzas ilimitadas. Aunque se pueda argumentar que el ignorante no es necesariamente estúpido, ni el estúpido no es siempre ignorante, ambas condiciones no pueden ser separadas absolutamente como muestra la película. El film de García Ibarra se centra en los obstaculos de la vida que ocultan las situaciones sociales, hay un trabajo estético dedicado en ambiertar esta metáfora de los obstáculos físicos como barrera que esconden la realidad pero que no impide la propagación de la estupidez. Finalmente la película crea una atmósfera de extrañamiento, raruna, opaca que se realza con una cierta lentitud que en la actualidad no es apreciada por muchos cinéfilos, siendo a veces una crítica un tanto banal en el sentido de que si una película es lenta es sinónimo de mala o aburrida, como si todas las películas deben ser de acción. Lo cierto es que el directo juega con las pausas, con los momentos justos para presentar un nudo el cual no lo deshace en el momento, sino más adelante, en la duración y a través de la intuición, como si la película fuera un ejercicio filosófico de Heni Bergson. Estuvo nominada a 14 premios Goya y no ganó ninguno, la victoriosa fue El Buen Patrón con Javier Bardem como actor de estallidos emocionales, indicando que los ojos críticos en los premios de diversas categorías del arte cada vez están más ajustados por las gringolas de la fama, de la fastuosidad, de los nombres ¨sagrados¨, de la distribuidora o de lo políticamente comestible, igual conclusión llegué con la película Coda que ganó el Oscar. 

                                                              TRAILER

 

 

DRIVE MY CAR - DOMINGO DE CINE (19)

PELICULA: ドライブ・マイ・カー

PAÍS:  JAPÓN

TÍTULO EN INGLES:  DRIVER MY CAR

AÑO: 2021 - DURACIÓN: 179 minutos

DIRECTOR: 濱口竜介　Hamaguchi Ryusuke

ACTORES: 西島秀俊 Nichijima Hidetoshi,　岡田将生 Okada MAsaki,　三浦透子 Miura Toko,  霧島れいか Kirishima Reika

SIPNOSIS: Luego de la muerte de su joven esposa por una aneurisma repentino, Yusuke Kafuku, un reconocido director y actor de teatro, recibe una oferta para dirigir la obra de Chejov: Tío Vania, en Hiroshima. Yusuke Kafuku produce la obra bajo una tecnica de multilingüísmo, lo que hace que los actores representen sus personajes en diversas lenguas. Mientras esta como director en la ciudad se le asigna una chofer que resulta ser una joven taciturna de nombre Misaki Watari. A medida que se acerca el estreno se van mostrando tensiones argumentales que los diversos protagonistas muestran y desarrollan con una finalidad sutil, casi superficial, aunque internamente cada protagonista contiene multiples cargas explosivar emocionales pero que nunca estallan. Hay un telón de fondo que le da gramática al contenido y que es una atmósfera desencarnada y misteriosa. 

PENSAR LA PELÍCULA.  Drive my car, película japonesa que buscará la estuatilla del Oscar 2022, es un films tomado de un escrito corto de Murakami Haruki y, como alguno de sus escritos, lleva el título de una canción de los The Beatles. La obra de Murakami trata de jugar el ritmo de la canción sin sentido, ya que su letra nos revela un diálogo efímero que se interrumpe por el coro pegadizo, licuándose con la obra de Chejov: Tio Vania, donde el hastío de los personajes y el tedio circunscribe la obra. Esta base es la que se rescata en la película: personajes hastiados de sus vidas, de sus dolores, de sus visiones del mundo, acompañados con el tedio de las situaciones cotidianas perturbadoras y rellenos de diálogos efímeros o sin sentido, lo que nos lleva a interpretaciones absurdas de la realidad japonesa en la película. Lo curioso es que he oido a muchas personas que piensan que la forma en que reaccionan los japoneses en la película ante lo dramático, lo erótico, lo emocional; es fría y distante, como si en "apariencia" esa es la realidad del comportamiento del japonés. Todos los actores en la película se contienen frente a la develación de los secretos, a explicar las emociones, a entender al otro. Murakami, gran crítico de la mecanización de los sentimientos que se implanta en la educación japonesa para contrarestar los berrinches, recrea en sus extremos narrativos esta robotización en sus obras y el director, Hamaguchi, no ha perdido la oportunidad de presentarlas. Si uno oye el japonés que usan las personas en la película, no es el japonés que oye uno a menudo, ni tampoco sus reaciones, es un japonés sin tonos, sin emociones, sin exclamaciones, como si leyeran con un tono plano, exagerado, tal y cual es una exigencia del protagonista principal de la película: Yusuke Kafuku, cuando sus actores hacen las rondas de practicas del guión, mostrándono una obra dentro de otra obra, un juego fractal de emociones apaciguadas Todos los personajes de la obra hablan como maquinas, desde la conductora del director hasta la encargada del teatro, marcando un extraño acento en el mito de la cultura japonesa como una cultura carente de expresiones emocionales, lo cual no deja de ser una simulacro de la realidad que le encanta ver a los Occidentales que se jactan de sus estallidos emocionales y berrinches egoístas. Una critica que se le achaca a la pelicula es que nunca termina de ser erótica, melodramática o romántica, pareciera que siempre se queda a medias ya que sus personajes nunca explotan, pero parte de la propuesta de la película es cómo mostrar lo inacabado, lo que siempre recurre de forma distinta como los cuentos de Oto, o los de la conductora, o los de su asistente de dirección, cuentos que no tiene un punto y final en un mismo momento y espacio, sino que transcurren como el futuro: incierto. No sé si se llevará una estuatilla como película principal, aunque lo dudo después de que Parasite de Bong Joon-ho recibiera toda la antención en el 2019.

HVA VIL FOLK SI - DOMIGO DE CINE (16)

Película Hva vil folk si

País Noruega

Titulo en inglés What will people say

Titulo en español El viaje de Nisha

Año 2017  Duración  106 minutos

Directora Iram Haq

Actores Maria Mozdah, Adil Hussain, Ekavali Khanna, Rohir Safard, Ali Arfan

Sinopsis

En plena adolescencia, Nisha vive pliegues de dos culturas, por un lado la Occidental escandinava marcada por el cristianismo, el individualismo y una filosofía pragmática de búsqueda de la felicidad; por otra parte, la Oriental pakistaní, marcada por las tradiciones de la lengua urdu, la religión musulmana y el pensamiento hindú de castas y familias, así en casa y con su familia, ella se presenta como una hija que acata la cultura pakistaní, pero por otro lado, con sus amigos, es una adolescente noruega normal. Cuando su padre la atrapa en su cuarto con su novio, los dos mundos de Nisha chocan brutalmente. Como medida disciplinaria los padres de Nisha deciden llevarla con familiares en Pakistán, un país en el que nunca ha estado, mostrando así lo complejo que son las adaptaciones culturales que sufren millones de personas en el mundo.

Pensar la película. 

En principio este tipo de película de choques culturales has sido presentadas en innumerables ocasiones en diversos formatos culturales, así como ciento en diversos tonos y perspectivas. En el cine fue quizás Los dioses deben de estar locos, 1980, de Jamie Uys, la primera película que me hizo percatarme de los distintos niveles y visiones que existen en los choques culturales, me acuerdo especialmente el momento en que Xixo, el bosquimano, describe la fealdad de una mujer que bajo los cánones de belleza de Occidente representaría un tipo de beldad, así como cuando entra en la cárcel y una persona explica que morirá allí porque no entiende los espacios cerrados. Esta película en categoría de humor muestra este tirar y encojer de las percepciones de la realidad derivados de los pensamientos culturales en los cuales nos hemos desarrollado y habitamos, y sí nos produjo risa, es porque descubrimos con el tiempo que todo aquello que es distinto a nuestras visiones culturales reaccionamos con risa... o miedos. Podemos hacer una lista donde la percepción del amor ( La masai blanca, 2005, de Hermine Huntgeburth ), de la sociedad ( Good by, Lenin, 2003, de Wolfgang Becker ), de la dignidad ( Casa de arena y niebla, 2003, de Vadin Perelman ), o inclusive sobre los sentidos de vida ( Borat, 2006, de Larry Charles ), son mostradas desde distintos ángulos culturales, mostrando así diferentes narrativas cinematográficas, esta lista es corta, muy corta cuando sabemos que hay miles de películas cuyo eje son precisamente los choques culturales con sus aciertos, aburrimientos y estereotipos, así como los innumerables ensayos que hay al respecto y donde resaltan desde los colonialismos culturales hasta las revoluciones del alma, de lo femenino, de Dios; por lo tanto qué nos propone El viaje de Nisha al respecto. Posiblemente su parte más seductora es que la película plantea este eje de choques culturales como un boomerang, por un lado una cultura que nos es familiar como la europea escandinava, donde el individuo busca su felicidad sobre cualquier otro paradigma, donde las instituciones protegen y alientan este paradigma con normativas y leyes derivadas desde el pensamiento griego y la ley romana. Una síntesis gruesa diría que la Europa escandinava plantea una sociedad de control donde no hay margen para la libertad sino para la consolidación del individuo dentro de un bienestar material, donde existen diversos mecanismos que controlan y diseñan nuestras actividades y deseos desde la mañana hasta la noche y desde que se nace hasta que morimos. En estas sociedades se ha desplegado todo un arsenal digital de monitoneo a través de la tecnología y el marketing que se ajustan dentro de una política pública uniformada acorde con un estado de bienestar establecido por el consumo y el éxito. El sujeto es observable, necesitado de guías, de sugerencias, propias de un Estado de control y regulación; esto lo observamos cuando una vez que el padre golpeó al novio de Nisha, las autoridades noruegas muestran como supieron de lo ocurrido ( el monitoneo de los vecinos), además de cómo protegen a Nisha de sus familia residenciándola en una institución de albergue. Hasta aquí habría una aceptación políticamente correcta y racional dentro de los parámetros de las sociedades modernas del siglo XXI; pero por otro lado, la película mostrará cuál lejos está éste estado de bienestar en relación con otras posibilidades culturales. El viaje que comienza Nisha, se inicia con la pérdida de la tecnología de monitoneo y control, es decir, se le destruye su móvil, las redes sociales y las instituciones que resguardan su individualidad para adentrarse al lugar cultural de donde provienen sus padres, una sociedad disciplinaria, donde el concepto de familia y tradición son los principales ejes de significados y sentidos, donde se manipula al individuo a través de una educación sustentada en metafísicas religiosas, buscando su sometimiento, la obediencia para lograr la docilidad de los cuerpos que serán el transfondo de un producto público que armonice con políticas propias de las sociedades de vigilancia y castigo. Este ir y venir tan crudo entre estas dos sociedades, de la sociedad de control a la sociedad disciplinaria y viceversa, esta dos propuestas culturales donde en una se enaltece al individuo y su albedrío para hallar la felicidad, mientras en la otra la felicidad son cristalizaciones de una serie de hechos colectivos indicados desde la tradición y la familia, estas dos orillas donde mutuamente se acusan, la una, la de los padres de Nisha, de ser bárbara, arcaica, machista, asfixiante al pensamiento plural a la vez de ser cercenante al sentir individual, mientras la otra orilla, aquella donde se ha educado Nisha, la escandinava, la acusan de deshumanizada, superficial, insensible a la historia, religión, herencia, moral que se hallan en el núcleo del concepto familiar, devaluando así su función y perspectiva política en algunas sociedades modernas, presentando a veces a las familias como encubadoras de donde saldrán los técnico de las sociedades de control. En el fondo la película muestra bisagras que nos conforman, mostrando el doble fondo de nuestra psiquis y que abarca a millones de individuos en el mundo que vive entre dos culturas, entre dos herencias, entre dos sociedades, entre dos éticas, quizás por eso en la actualidad las personas están más perdidas aunque mejor informadas, más estudiadas pero más embobadas con las modas, más abiertas pero más manipulables, más críticas pero más superficiales, más escépticas pero más inestables, más realistas pero más narcotizadas, más solitarias pero más influíbles, más libre para expresar los deseos pero más masturbatoria. Podemos pensar que las críticas que se realizan desde una orilla a la otra obvian lo largo que es cada orilla, a la vez de desconocer la profundidad del río que hay que atravesar para buscar un equilibrio crítico entre ambas. Obvian que el mundo se ha conformado culturalmente a lo largo de la historia con el concepto de familia como uno de sus ejes fundamentales, que no es fácil deconstruírlo con argumentos de bienestar individual o políticas de la felicidad egoístas, pero también las tecnología tratan de implantar un concepto de familia con cientos de metominias como Facebook, Twitter, Instagram, etc. que socavan y crean la bisagra de dualidad en que nos estamos convirtiendo. En el fondo esta película es una metáfora que nos habla, tal cual muestra en su inicio y en su final, de una carrera sin fin para hallarnos entre meandros culturales y meditaciones intranscendentales.   

 

TRAILER

 

 

SEARCHING - DOMINGO DE CINE (15)

PELICULA.  Searching

PAÍS. EE.UU. / RUSIA

AÑO. 2018    DURACIÓN. 102 minutos

DIRECTOR. Aneesh Chaganty

ACTORES. John Cho, Debra Messing, Joseph Lee, Sara Sohn, Michelle La.

SINOPSIS. Margot, una joven de 16 años e hija de David Kim (John Cho) desaparece, desde ese momento se abre una investigación llevada a cabo por la detective Vick (Debra Messing), durante las pesquisas el padre interviene y busca en la computadora de su hija claves que le ayuden a resolver la desaparición. Pasan los días y las claves se vuelven más turbulentas e inesperadas. Básicamente la película es un thriller, pero con una narrativa hipermoderna, una sucesión de eventos contados a través de los dispositivos de tecnología que usamos todos los días para comunicarnos, este tipo de narrativa pasa desapercibida por la abrumadora cotidianeidad tecnológica en que estamos instalados, creando una atmósfera que se caracterizará por lo vertiginozo de las vorágines de imágenes y que el film rescata y presenta.

PENSAR LA PELÍCULA. 

En 2014 se estrenó la película Unfriended (Eliminado) de Levan Gabriadze, una película de terror que se generaba y producía por la WEB, obligando así a mostrar constantemente las pantallas de los usuarios y lo que ocurría a cada momento, en Searching se presenta esta misma estética pero con la suma de todos los dispositivos tecnológicos que hemos usado desde los noventas hasta la actualidad, creando una composición barroca de ventanas de los diversos dispositivos presentes. Una de las particularidades de esta estética es la velocidad de film. Cuando uno lee las críticas de películas en algunas páginas de opinión sobre cine, una de la mas repetitivas es que una película es lentas, quizás porque en el fondo las nuevas generaciones asumen lo paradójico de la rapidez en este siglo como un valor positivo y que Giacomo Leopaldi explicaba en uno de sus Zibaldone a este respecto: "La rapidez y la concisión del estilo agradan porque presentan al espíritu una multitud de ideas simultáneas, en sucesión tan rápida que parece una sola, y hacen flotar el espíritu en tal abundancia de pensamientos o de imágenes y sensaciones espirituales, que éste no es capaz de abarcarlos todos y cada uno plenamente, o no tiene tiempo de permanecer ocioso y privado de sensaciones. La fuerza del estilo poético, que en gran parte es una con la rapidez, no es placentera sino por estos efectos y no consiste en otra cosa. La excitación de ideas simultáneas puede derivar de cada palabra aislada, o propia o metafórica, y de su ubicación, y del giro de la frase, y de la supresión misma de otras palabras o frases, etc". Creo que la estética de los dispositivos electrónicos se basa en esta premisa de Leopaldi, abruma y sólo es placentera por los efectos, por lo finales resueltos, por lo acabado, por lo concluido, así por esta estética de la rapidez, la película Searching se transforma en un vorágine de imágenes que constantemente buscan resolución, pero todas ellas al final son efectos de los dispositivos, algunos ingenioso como cuando el padre va ha buscar a la hija en el bosque, y en lugar de mostrano su ir en el vehículo, nos presenta el ir de un vehículo virtual dentro de un mapa GPS. Pero si bien la velocidad es una estética que está inundando los filmes y artes en general a principio del siglo XXI, lo cierto es que esta película replantea toda nuestras tradiciones sociales y filosóficas profundas y muchas veces dada por obvia, como son la amistad, la familia, el amor; cada una de estas palabras quedan desbancada de sus significados en una sociedad de pantallas, de incomunicación, de culpas, de superficialidades. Todo lo que aparece en la pantalla es tan verdadero como cualquier teoría sobre la existencia de los ángeles, no hay un criterio de verdad, de reflexión, de duda, de crítica, todo se asume, todo puede ser, todo es posible porque nuestros prejuicios nos lo permite. Esta es una sociedad que le cuesta pensarse, no porque sea más complejas que la industrial o la medieval, sino porque todo se acumula sin criterios, sin horizontes, sin posibilidades técnica y temporales para revisarlas. Las personas atesora miles de bites de información que rara vez revisarán, se enlazará en amistades sin reales conexiones emocionales, pero amistades en fin, se unirán a redes sociales que le indicaran cuándo celebrar, cómo celebrar, qué hacer y a veces hasta qué pensar sobre tal o cual situación e inclusive generar rebeldías que se alinean a veces por su vacuidad, con cualquier dispositivo despótico. Se abren puertas de una sociedad que todos los pensadores anteriores no pudieron visualizar, puertas donde los extremos tienen cabida, los miedos, las banidades, las ignorancias, todo, donde absolumentamente todo está permitido si se sabe usar los dispositivos electrónicos. Este último elemento ha hecho que este thriller al final presente elementos de horror, de pensar lo endeble que es visualizar un futuro con ideas y teorías del siglo XIX y XX que siguen pululando en las universidades y redes, con ideas de la ilustración, del enciclopedismo, del pragmatismo, del utilitarismo, del liberalismo, del existencialismo, del materialismo dialéctico, de diversas religiones y así otras muchas de las cuales no pueden aplicar un pizca de sentido a esta sociedad y menos al filme presentado. Pareciera ser que la única constante humana no es ya la racionalidad, sino la emocionalidad, la película presenta como las emociones y su fluir son las que encausan las posibilidades de éxito de la WEB, de las redes sociales, del uso de los smartphone; las redes no dan criterios de pensamiento sino estados emocionales que constantemente buscamos y tratamos de apoderarnos, quizás porque la racionabilidad no pudo explicar nuestras pulsiones, y sólo confesándolas a un gran anonimato llamado redes sociales podamos hallar algún sentido a nuestra existencia, o sólo en la asistencia virtuales a espectáculos, podremos ubircano de nuevo como seres gregales que necesitan exhibirse, consumir, agruparse, siendo estos últimos eslabones al consolidarlo lo que nos permitan llamarnos humanos, por eso el horror que pienso se imbrica en esta película si nos ponemos a pensar desde cualquier reducto de pensamiento de los siglos XIX y XX, horror que está constante y se asoma cada vez que reflexionamos un futuro omnisciente, omnnipotente y omnipresente entre pantallas y dispositivos tecnológicos.

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ツレがうつになりまして - DOMINGO DE CINE (14)

PELICULA ツレがうつになりまして
PAÍS  Japón
TÍTULO EN INGLÉS MY SO HAS GOT DEPRESSION
AÑO 2011     DURACIÓN 121 minutos.
DIRECTOR   Sasabe Kiyoshi  佐々部清
ACTORES Miyazaki Aoi 宮﨑あおい, Sakai Masato 堺雅人.

SINOPSIS  Mikio (Sakai Masato) es un hombre casado, es obsesivo, ordenado, silencioso, trabaja como salaryman en una empresa de seguros, mostrando el estrés "extra" que crea empresas japonesas a sus trabajadores por su sistema jerarquico, de culpas y desprecios. Progresivamenten Mikio cambia, comienza a tener desganas y ansiedad, le diagnostican depresión. Desde ese momento su esposa Haruko (Miyazaki Aoi) empieza a tratar de entender la enfermedad que le aqueja a su marido. Han estado casados por 5 años y mientras su esposo trabaja en una empresa Haruko dibuja comics pero sin mucho éxito comercial, por lo que el grueso del dinero provienede Mikio, siendo así que su esposo es el sostén principal del hogar, pero el agobio y la inestabilidad psicológica hace que Mikio renuncie y ella comience a culparse por no darse cuenta de ningún signo previo y piense creativamente para generar economía. Después de que Mikio deja su trabajo, su condición mejora, pero la dinámica de su relación cambia, y a todo lo largo del filme vemos cómo la depresión se presenta como un gran tabú en el país del Sol Naciente.

PENSAR LA PELÍCULA Hay cientos de películas que giran alrededor del problema de la depresión, presentándolas a veces de una maneras tragicomedia como en los films: Los Tenenbaums, 2001, Wen Anderson, Pequeña miss Sunshine, 2006, Jonathan Dayton y Valerié Faris, Una historia casi divertida, 2010, Anna Boden y Ryan Fleck, ésta película japonesa sigue estas líneas, pero mostrando a su vez cómo ésta particular enfermedad es vista en ésta sociedad donde el decaimiento, la melancolía, la tristeza, son asociadas como debilidad del espíritu y no como enfermedad, de ahí el constante がんばって, (Ganbate) que es el esforzarse hasta el máximo para lograr así aparecer frente a los demas como alguien que tiene voluntad, genio, agallas, tesón, de ahí la expresión 根性がある (Konyoo ga aru) que implica el buen espíritu de las personas y que tanto las empresas, relaciones amorosas y sociales buscan que posean sus miembros; pero algo que trata de enseñar la película es que esta presión de la cultura japonesa de esforzase hasta el máximo es uno de los generadores de depresión que afectan a los habitantes de la isla, bien lo descubre Haruko cuando aprende que lo que menos hay que decirle a un deprimido es precisamente "ganbate", o si lo vemos dentro de la òptica Occidental, lo menos que habría que darle a un deprimido son formulas de autoayuda, de positivismos pendejos, o buscarle un coaching individual o, regalarle una fiesta o viajes, como vemos en las películas y a veces en la vida misma con amigos y familiares. Lo que debería ser una persona frente a un deprimido es algo muy difícil: oírlo. Al deprimido hay que escucharlo con atención lo que siente y realizar empatía con sus sufrimientos sin enjuiciarlos ni aupar posibles soluciones, este es un proceso complejo y que requiere tiempo, precisamente estos dos conceptos (complejo y tiempo) en el mundo actual, se tratan de simplificarse con experiencias expurias y monetizar las horas a conveniencia de los egos. Esta situación encumbra tanto en Oriente como en Occidente porque vivimos en sociedades imbuídas en "razonamientos" para seguir adelante, para continuar, para lograr éxitos, triunfos, logros, sin percatarnos de que estas sociedades en la mayoría de sus núcleos discursivos están enfermas. Japón en particular trata de invisibilizar el problema, la depresión se divide, se diversifica en palabras extrañas como "hikikomori" o en una "simple" estadística de suicidio. Una parte de la juventud japonesas está abrazada a un palabra que para los lectores Occidentales despierta exotismo: "hikikomori", como si fuera una curiosa enfermedad que sólo afectara a los japoneses, cuando en el fondo presentan todos los sintomas depresión. Esta depresión juvenil además está inducida y amplificada por la misma sociedad, presentándola como una acidia, aquel mal que aquejaba a los monasterios desde el siglo XII y que Dante los manda a habitar el quinto círculo del infierno, pero como la acidia de los tiempos medievales se fue suavisando con el tiempo tomando conceptos como fastidio y pereza, con éste último se acuña como pecado capital, así desapareció la acidia en el lenguaje cotidiano del español, y que implicaba originalmente un embotamiento del espíritu que no permitía una comunicación con Dios, terminado en la actualidad como un sinónimo de aburrimiento, como hoy puede sufrir alguien por algunas horas al no tener Internet, así los hikikomori "no" tienen depresión para una gran parte de la sociedad japonesa, en el fondo es un fastidio por no querer ser agentes sociales o vivir en un hogar que los consienten, al final lo que muestra es que estos jóvenes no muestran su konyoo, que no logran las expectativas que le dan sus padres y la sociedad. Un hikikomori es un adolescente deprimido como en la película Una historia casi divertida, y tienen cosas en común como aquella escena de la película que muestra las concatenaciones del pensamiento del depresivo, piensa el protagonista de esta película, que si no asiste a una escuela especial no podrá ir a una buena universidad, ni tendrá un buen trabajo, ni familia y así su mundo de hunde, se deprime por una situación particular hipotética, igual les ocurre a los jóvenes en Japón, una vez oí de una exhikikomori que su "aislamiento" o depresión comenzó al empezar la secundaria, el primer día de clases, el director que les daba la bienvenida, lo único que le dijo es que le quedaban cinco años para preparar los exámenes de ingreso a la universidad, esas fueron sus palabras de bienvenida, ella ingresaba a lo que debía ser unos años de aprendizajes, experiencias, crecimiento... nada, todo esos años era para preparar unos exámenes que clasifican en cuál estatus viviras en Japón, así que todos esos años los jóvenes pasan todas las horas estudiando para presentar exámenes, bien en la escuela o los 塾 (Yuku) que son academias privadas que dan clases personalizadas por largos períodos con el único fin de aprobar un examen, siendo uno de los mejores negocios  que se puede instaurar en el archipiélago. La depresión de los hikikomori se suma la depresión como enfermedad y que se sintomatiza con la pérdida del trabajo, familias, konyoo, pero en lugar de ver estos procesos como consecuencia de una depresión, se pasa a la estadística suicidio, de sin techos, de vagos, no atrapando así el problema sino desgastándolo con el tiempo. La depresión como enfermedad sigue sin estadisticas exactas. Otro problema para añadir es lo mal visto en Japón que una persona vaya a consultas con un psiquiatra, es sencillamente un tabú porque muestra debilidad, y en una sociedad que posee hilos de un darwinismo social en sus estructuras, al final es preferible suicidarse o desaparecer que aceptar la condición de enfermo como podemos apreciar en decenas de peliculas japonesas como Tokyo Sonata, 2008, Kurosawa Kiyoshi. A diferencia de Occidente donde la melancolía, el término que los griegos usaban para la depresión, posee una historia que pendula entre la locura y la genialidad, en Japón la depresión posee una historia confusa, así como el kanji que se usa para indicar la enfermedad. Este kanji es uno de lo más complejo, con sus 29 trazos se ubica como el kanji que usa la mayor combinación de líneas en un diccionario japonés estándar de kanji, por lo que es complicado deducir, a partir de su origen pictorico sus significados: 鬱 (Utsu); pero en principio, en los trazos inferiores, hace referencia a unos efluvios provenientes de un compuesto de vino y curcuma que no pueden salir por estar sellada su salida, y este sello en su parte superior es dado por un bosque. Me parece que la depresión se asociaba en los orígenes de los pictogramas chinos, con una persona que acumulaba desespero, tristezas, alegrías, emociones en general, pero que no podían expresarlo por estar en el medio de un bosque, separado, deambulando, sin familia ni amigos. Eso es lo que me imagino con el kanji, aunque es raro verlo, lo común es ver en los libro la palabra  うつびょう 鬱病  para indicar a alguien con depresión o quizás alguien que no puede comentar sus perdidas, dolores o ideas por estar perdido por el bosque de la vida, quizás por eso ir a un bosque a suicidarse sea la alegoría más completa de la depresión siendo por lo tanto el bosque de Aokigahara la síntesis de un kanji que nadie quiere usar.

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BOTOKS - DOMINGO DE CINE (13)

PELÍCULA:  Botoks

PAÍS: Polonia

TÍTULO ORIGINAL: Botoks

AÑO: 2017  DURACIÓN: 135 minutos

DIRECTOR: Patryk Vega

ACTORES: Olga Bołądź, Agnieszka Dygant, Katarzyna Warnke, Marieta Zukowska, Marcin Borkowki, Tomasz Oświeciński

SINOPSIS: Botoks es una película que registra los laberintos emocionales y sociales de cuatro mujeres cuyo límite es un hospital. El centro médico no es una ficción de seriales populares como Anatomía de Gray o House, es un lugar de trabajo donde se derraman sangre, sudor y lágrimas todos los días. El destino de las cuatro mujeres se entrelazan entre sus paredes. Daniela (Olga Bołądź) comienza a trabajar en el sector de la salud como paramédico, con su hermano Darek (Tomasz Oświeciński). Posteriormente y luego de varias narraciones de búsquedas y preguntas, se somete a numerosos tratamientos estéticos y así deja de ser un "patito feo" para convertise en una representante despiadada y exitosa de una empresa farmacéutica. Magda (Katarzyna Warnke) es una ginecóloga-obstetra, que construyó su reputación como especialista en abortos, cuando ella misma queda embarazada, sus conflictos comienzan desarrollando varias fases dramáticas cuyo final no se visualiza rápidamente. Estas historias se enlazan con Patrycja (Marieta Żukowska) una médico cirujano cuya vida matrimonial se está cayendo a pedazos debido a la traición de su marido y con Beata (Agnieszka Dygant) quien es una médico de emergencia que pierde a su prometido en un accidente de motocicleta Estas mujeres se vuelven amigas mostrando cómo las narraciones de amistad se elaboran desde los lazos afectivos que a veces negamos, especialmente a las mujeres, así como enseñar valores de lealtad frente al mundo falocéntrico y solidaridad ante el dolor y las debilidades del otro. La película es una sinfonía de realidad, una presentación donde se enreda las problemáticas de la cotidianeidad con los problemas de la vida según un género. Se observan auténticas historias médicas que se imbrican con narraciones de tono mafioso y criminal. La vida, el nacimiento, la procreación, el sexo y la muerte, revolotean en ésta película cargandola junto a un extremo, pero sutil dosis de humor negro e ironía.

PENSAR LA PELÍCULA. Krzysztof Kieślowski, Andrzej Wajda, Wojciech Smarzowski o Pawel Pawlikowski, son directores polacos altamente calificados, pero el cine polaco en sí siempre ha sido denso, siempre con una mirada crítica que lo ha caracterizado y ésta película no queda atrás. Cuando vi Botoks, me llamó la atencion la altísima carga de una visión femenina que no es facil encontrar y que directoras como Sofía Coppola, Kathry Bigelow,  Isabel Coixet, Naomi Kawase o Jennifer Phang mucha veces presenta con cierto soslayo o limitada, o por lo menos así podemos pensar en un primer momento. En Botoks lo femenino domina en teoría cada cuadro, cada escena siendo lo más curioso que su director sea un hombre. Aunque está evaluada con menos de cuatro puntos en IMDB, entre las películas con mayor puntuación están; The Shawshank Redeption, El Padrino, Pulp Fiction, Fight Club; películas que son ciertamente magistrales y donde conceptos como; amistad, lealtad y solidaridad son constantes haciendo que la reacción de los espectadores, especialmente masculino, se imprima de emociones y sentimientos, quizas porque estos tres conceptos son propios del quehacer político dominado por la esfera masculina; mientras conceptos como: la promesa, el amor y la resignación, la envidia, se vinculan como conceptos con la esfera privada, haciendo Hollywood telas y corsé con las que envuelven lo femenino en el cine. En Botoks estos mismos elementos se presentan pero desde una mirada nada masculina, son las mujeres -sin caer en una comedia predecible o una épica invertida- quienes muestran la amistad, la lealtad y la solidariadad entre ellas, con una naturalidad que en el mundo masculino o falocentrico no se percibe así. En Botoks, en teoría, se traman desde una resistencia de los prejuicios masculinos, pero operando con sus mismas armas: egos concentrados en la forma de la vulva, (pene en el hombre), manipulaciones derivadas  por la seducción, (uso del poder en el hombre), pragmatismo emocional construídos desde la indiferencia, (prepotencia masculina). La película logra un conjunto coral crítico con fuertes dosis de humor negro, donde las imágenes quieren desgarrar cualquier idealidad estandarizada de la familia, del embarazo, de la madre, de la sexualidad, así como todos aquellos componentes que tratan de concebir la narración de lo femenino, a la vez, la película va decosntruyendo los paradigmas de lo masculino exacerbando sus límites con torpezas sistemáticas, pulsiones anales, necedades egocéntricas. Creo que lo principal de este filme es conjugar las ideas de amistad, lealtad y solidaridad, todas juntas y no fragmentada como en la película: Thelma y Louise, las presetan, lo que para muchas visiones masculinas es inconcebible. 

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IKARI - DOMINGO DE CINE (11)

Película.  IKARI
País. Japón
Título original. 怒り
Año.  2016   Duración. 142 minutos
Director. Sang-Il Lee 李相日
Actores. Watanabe Ken 渡辺謙 , Tsumabuki Satoshi 妻夫木聡, Ayano Gou 綾野剛, Matsuyama Kenchi 松山ケンイチ, Miyazaki Aoi 宮崎あおい Moriyama Mirai 森山未來, Hirose Suzu 広瀬すず

Sinopsis. Un hombre brutalmente asesina a una pareja casada y deja atrás las palabras "Ikari" ("Cólera") escritas con sangre en la pared donde ocurrieron los hechos. El asesino será buscado por años, se presume que se ha sometido a una cirugía plástica, los medios de comunicación constantemente dan información del sospechoso. Simultáneamente en tres lugares diferentes de Japón, hombres extraños aparecen. La gente sospecha de que aquellos desconocidos podrían ser el asesino y aparece la desconfianza. El primer hombre emerge en la zona pesquera de Chiba, Yohei Maki (Watanabe Ken) trabaja en el puerto y tiene una hija, Aiko (Miyazaki Aoi) con la cual ha tenido una relación conflictiva, Aiko comienza a fijarse en Tetsuya Tashiro (Matsuyama Kenchi) un hombre que trabaja a destiempo en la pequeña compañía del padre de Aiko, y todos lo ven como una persona extraña, oscura, llena de secretos. En el centro de Tokio, un hombre homosexual, Yuma Fujita (Tsumabuki Satoshi) que trabaja en una agencia de publicidad conoce a Naoto Onishi (Ayano Gou) y comienzan a vivir juntos. Mientras Naoto consigue que Yuma abra su mente y corazón, Yuma comienza a sospechar de Naoto porque su pasado le es inabordable.  En Okinawa, Izumi Komiya (Hirose Suzu) y su madre se mudan a una isla aislada, allí un día, Izumi da un paseo y conoce a Shingo Tanaka (Moriyama Mirai), un joven mochilero que vive en completa soledad. Izumi se acerca a Shingo, pero Shingo le pide a Izumi que no le cuente a otros sobre su existencia y que lo mantenga el secreto.

Pensar la película. Este filme es una película coral donde se introduce un tema principal, la ira, la cólera, la indignación, todas estas palabras entran en el concepto japones de ikari「怒り・いかり」y como tal, un sentimiento que mueve los procesos de la catarsis, la conmiseración y la piedad; pero, como tema secundario de este filme, pienso que la palabra que más resalta y soporta el guión es: shijiru「信じる・しんじる」que implica las nociones de creencia y confianza. Creer, palabra usada constantemente para evadir las incertidumbres que nos rodea, cuya raíz indoeuropea contiene los términos corazón (kerd) y poner (dhe), es decir creer: poner el corazón en un logro, en un objetivo sin vacilación; mientras confianza viene de la composición léxica cum-fides, tener fe conjuntamente, pero a diferencia de la mera creencia implica a Otro cercano o no; tanto creer como confiar necesitan el sentido del concepto fe, que como nos dice la Biblia en Hebreo 11.1 "Es la certeza de lo que se espera, la convicción de lo que no se ve", es decir para sintetizar: fe, confianza, creencia, en último sentido, nos habla de una hipótesis sobre el futuro, bien sobre los hechos, bien sobre la conducta de los otros, y como toda hipótesis, se elabora con los datos que poseemos. El filme nos muestra cómo todas las hipótesis que se desarrollan acerca de quienes son estos hombres extraños, parten de los datos exactos o inexactos que le van llegando a cada uno de los protagonistas que los conocen y cómo en cada tramo la confianza se pone en prueba, principalmente porque en cada tramo las emociones como el amor, la tristeza y la ira se diluyen cuadro a cuadro. La película también nos muestra cierta caractéristica de la sociedad japonesa y su creencia en el sistema social más que en las personas; situación totalmente distinta en Latinoamérica donde aparentemente los individuos confían más en las personas que en los sistemas sociales de aquí que la palabra shinyo「信用・しんよう」que implica reputación o la credibilidad de una persona que es lograda por su ejercicio de vida a través de su trabajo, actividad, estudios o familia, tenga mas prestigio y legalidad que shinrai「信頼・しんらい」que compromete una confianza derivada únicamente del carisma de la persona, creando  una capacidad de poder fiarse del individuo únicamente por sus sentimientos y no por su historia. En Latinoamérica puedo pensar que la confianza se logra más por los sentimientos que por la reputación o por lo menos así lo vemos en la política, en la televisión, en el día a día en la conversaciones de la calle. Estos tres hombres que gira la historia de la película tratan de ganar la confianza shinrai, por sentimientos, por empatía. Puedo pensar que el sistema japones de control de incertidumbres es sublimado en programas de televisión, o por lo menos así lo puedo apreciar en la película, donde un programa de televisión cuyo tema es la búsqueda de delincuantes, auna a desconfiar en todo aquello que es desconocido o que no tenga garantía o fiabilidad, la desconfianza entrará en cada historia con una fuerza distinta y un desenlace inesperado. El espectador es retado constantemente en su reflexión para hallar sentido a la situación que vive los protagonistas a partir de los datos que obtiene, paralelamente esta película nos cuenta lo complejo que es lograr shinyo sin que una empresa te patrocine como un ser social, todos los personajes están desarticulados de las grandes empresas, vagan por el país o por las ciudades sin sentidos profundos o burgueses, es el Japón donde los trabajadores de cuello blanco no existen y sólo un continente de gente trata de sobrevivir el día a día huyendo de su historia más que manteniendo esperenzas puestas en baratijas felicidad, porque cuando se huye del pasado el futuro se tranforma en un eterno retorno a aquello de lo que se huye, de aquí un aspecto trágico del hombre pero que constantemente se evita precisar ya que siempre nos han enseñado la tragedia como algo que acontecerá más que como algo que ya acontenció y no es tan simple de calificar como hacen algunos psicólogos con el término trauma. Conjuntamente en este filme aparece temas sociales y políticos como los roces de los habitantes de Okinawa y las bases militares de los EE.UU., sin un claro futuro en su territorio y accionar, o el tema de la prostitución masculina y femenina como un mercado inmediato que desecha cualquier porvenir.  En fin, la película presenta cómo los conceptos como confianza, creencia y fe se desenvuelve en una humanidad que cada vez es más nihilista, hedónica, superficial e inmediata.

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LA NOVIA DE RIP VAN WINKLE - DOMINGO DE CINE (10)

PELÍCULA : La novia de Rip Van Winkle
PAÍS : Japón
TÍTULO ORIGINAL : リップヴァンウィンクルの花嫁
AÑO : 2016         DURACIÓN :   180  minutos.
DIRECTOR : Shunji Iwai 「岩井　俊二」
ACTORES : Haru Kiroki 「黒木　華」, Gou Ayano「綾野　剛」, Cocco　

SINOPSIS : Una docente a tiempo parcial e insegura de sus posibilidades: Nanami (Haru Kuroki), se reune con Tetsuya, quien también es docente a través de SNS (Social Networking Service) y decide casarse con él. Ella no tiene muchos parientes y viene de una familia disfuncional, pero por necesitar llenar la sala de boda recurre a los servicios de "sakuras" o personas de relleno de la compañía de actores que dirige Amuro (Gou Ayano). Pide a la agencia que envíe a la gente a su boda y que algunos pretendan ser sus parientes y amigos. Al principio de su matrimonio, Nanami encuentra a Tetsuya teniendo un aparente romance, por los que decide buscar los servicios de Amuro nuevamente para confirmar la infidelidad de su esposo, y desde ahí la historia comienza a realizar giros en espiral que nunca desenbocan en finales previstos.

PENSAR LA PELÍCULA : Las obras previas de Shunji Iwai: Hana y Alice (2004) y Vampire (2012), observamos sus obsesiones por tres temas que se repetirán en La novia de Rip Van Winkle; la cercanía de la muerte, las redes sociales y las relaciones entre dos mujeres. En Hana y Alice, nos relata lo sencillo y a la vez intrincado que puede ser una relación entre amigas sin ser juzgada por miradas misoginas, machistas o culturalmente patriacal, mientras en Vampire descubrimos a un vampiro que por medio de la Web, halla a personas que quieren suicidarse y los ayuda a morir extrayéndole su sangre que luego consumirá. En La novia de Rip Van Winkle, la pareja Nanami y Tetsuya, se conocen por la Web, mostrando lo fácil pero a la vez el irreal procedimiento para encontrar una unidad afectiva y una felicidad conyugal, luego se muestran una serie de intrincadas manipulaciones de situaciones y afectos dirigidos por la madre del esposo y por Amuro y su compañía de teatro, observamos como luego la vida de Nanami desencadena en una relación con una artista porno; Mashiro y como ésta se prepara para morir y al no querer morir sola busca desesperadamente que Nanami sea su amiga. Las obras de Shunji Iwai es una sinfonía continua, comienza la trama y sobre ella imbrica otra y otra, las tramas tienen sus desenlaces en un momento que captura al espectador pensando o detallando la trama siguiente, por lo que a veces pasan desapercibidas sus uniones y conclusiones. El juego de cámara y la constante explosión de emociones e inseguridades que muestran sus principales protagonistas hacen de las películas de este director una firma particular dentro del archipiélago japonés. Lo particular de esta película es que nos muestra a una Nanami tímida, insegura, manipulable, ingenua y torpe, que tiene que convivir con las apariencias de una sociedad como la japonesa donde las formas es lo propio y lo apropiado sin evaluar el desconocimiento de las propias emociones y la certeza de las relaciones humanas desarrolladas, es por eso que vemos a lo largo de la película cómo se derrumba continuamente Nanami, pero a diferencia de otras películas, nuestra protagonista no tiene sed de venganza, ni odios, vemos su continuo sufrimiento con una pasividad propia de una cultura que enseña a sufrir en silencio, pero tampoco nos cae mal Amuro, porque este actor sin ética, guiado por las oportunidades y el dinero, muestra los vacíos de la sociedad japonesa en su construcción social, en sus relaciones humanas, por lo que pensamos que a lo largo del filme que lo hace Amuro es el doloroso desenmascaramiento a nuestra protagonista que ha jugado sus diversos papeles sociales: hija, profesora, esposa, trabajadora, dentro de una sociedad de engranajes, sociedad que no le permite conocerse ni conocer a profundidad aquello que se oculta en las formalidades que ha aprendido; lo que en el fondo aporta estos aprendizajes en un conocimiento duro de su propia condición humana y de la estupidez del hombre que Nanami comienza a hilar. Al final no podemos odiar a Amuro por sus manejos de las emociones como un negocio, (¿y ésto no es algo propio de los actores, artistas y escritores en general?), tampoco podemos odiar a Nanami por su ingenuidad, ni a la madre de Tetsuya ni a Mashiro por manipular a las personas por miedo a perder sus seguridades y egoísmos. Es una película llena de emociones pero que en el fondo el espectador no logra emocionarse, no hay momento para reír o para llorar, para increparse o para maldecir, porque todas las emociones se nos presentan dentro de marcos donde los juicios morales y ético de desvanecen por bordear las costumbres sociales, la economía y la muerte.

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